Künstler/in
Geboren in Hannover, Deutschland
Kurt Schwitters: Ein Leben im Zeichen von Merz
Frühes Leben und Ausbildung
Geboren: 20. Juni 1887, in Hannover, Deutschland.
Schwitters war das einzige Kind von Eduard und Henriette Schwitters. Sein Vater war Miteigentümer eines Damenbekleidungsgeschäfts.
Die finanzielle Situation der Familie verbesserte sich nach dem Verkauf des Geschäfts im Jahr 1898, was es ihnen ermöglichte, von den Mieteinnahmen erworbener Immobilien zu leben.
Er studierte Kunst von 1909 bis 1915 an der Dresdner Akademie neben Künstlern wie Otto Dix und George Grosz, obwohl er zu dieser Zeit scheinbar keine Kenntnis von deren Werk hatte.
Schwitters erlitt 1901 seinen ersten epileptischen Anfall, was ihn später während des Ersten Weltkriegs zeitweise vom Militärdienst entband.
Künstlerische Entwicklung und die Geburtsstunde von Merz
Anfänglich arbeitete Schwitters in einem postimpressionistischen Stil. Seine frühen Arbeiten spiegelten diesen Einfluss wider.
Die Verwüstungen des Ersten Weltkriegs hatten tiefgreifende Auswirkungen auf seine künstlerische Ausrichtung. Er empfand die traditionelle akademische Ausbildung angesichts des gesellschaftlichen Zusammenbruchs als bedeutungslos.
„Im Krieg herrschte schreckliches Chaos… alles war zerbrochen und aus den Fragmenten mussten neue Dinge entstehen; und das ist Merz.“
Um 1918 begann er, abstrakte Collagen aus Fundstücken zu erstellen – Papierfetzen, Eintrittskarten und andere weggeworfene Materialien.
Der Begriff „Merz“ selbst entstammt einem Textfragment („Commerz und Privatbank“), das aus einer Anzeige ausgeschnitten und in eines seiner frühen Werke, das Merzbild (1918-19), integriert wurde.
Hauptwerke und künstlerische Stile
Merz-Bilder: Diese Collagen sind zweifellos Schwitters’ bedeutendster Beitrag. Sie stellen einen radikalen Bruch mit der traditionellen Kunst dar, indem sie den Zufall und die Ästhetik des Alltags akzeptieren.
Merzbau: Eine monumentale architektonische Konstruktion in seinem Haus in Hannover, die sich über Jahrzehnte hinweg ständig weiterentwickelte. Er war die dreidimensionale Verkörperung der Merz-Prinzipien – ein labyrinthartiger Raum voller Nischen, Grotten und Fundstücken.
Assemblage & Installationskunst: Schwitters war ein Pionier dieser Formen und verwischte die Grenzen zwischen Malerei, Skulptur und Architektur.
Er arbeitete zudem in den Bereichen Poesie, Klang, Grafikdesign und Typografie und erkundete damit eine breite Palette künstlerischer Medien.
Einflüsse und Verbindungen
Zu den frühen Einflüssen gehörte der Postimpressionismus, doch er entwickelte sich schnell über diese Konventionen hinaus.
Durch die Galerie „Der Sturm“ von Herwarth Walden kam er mit Mitgliedern der Berliner Avantgarde in Kontakt – darunter Raoul Hausmann, Hannah Höch und Hans Arp.
Obwohl er mit dem Dadaismus assoziiert wurde, bewahrte Schwitters eine eigenständige künstlerische Identität. Von einigen Dadaisten wurde er anfangs aufgrund seiner Verbindungen zum Expressionismus abgelehnt.
Späteres Leben und Vermächtnis
Angesichts der zunehmenden Verfolgung unter dem NS-Regime aufgrund seiner „entarteten Kunst“ floh Schwitters 1937 aus Deutschland.
Er verbrachte Zeit in Norwegen und England und schuf trotz schwieriger Umstände weiterhin Merz-Werke. Während des Zweiten Weltkriegs wurde er kurzzeitig als feindlicher Ausländer interniert.
Gestorben: 8. Januar 1948, in Ambleside, England.
Kurt Schwitters’ Werk beeinflusste nachfolgende Künstlergenerationen zutiefst, insbesondere jene im Bereich der Pop Art, des Minimalismus und der Konzeptkunst.
Sein innovativer Umgang mit Fundstücken und seine Erforschung der Beziehung zwischen Kunst und Alltag finden auch beim zeitgenössischen Publikum weiterhin Anklang.
Historische Bedeutung
Die Merz-Ästhetik von Schwitters stellte traditionelle Vorstellungen von künstlerischer Schönheit und Urheberschaft infrage.
Er erweiterte die Definition von Kunst, indem er nicht-künstlerische Materialien einbezog und die Grenzen zwischen verschiedenen Disziplinen auflöste.
Sein Werk bleibt ein kraftvolles Zeugnis für das kreative Potenzial von Fragmentierung, Rekonstruktion und der Hingabe an den Zufall.
Museum
Ausgestellt in Düsseldorf, Deutschland
Ursprung und Geschichte der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
Die Geschichte der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen nahm ihren Anfang im Jahr 1960 mit dem Erwerb bedeutender Werke aus der Sammlung von G. David Thompson. Dieser erste, entscheidende Schritt ebnete den Weg für die formelle Gründung der Institution im Jahr 1961. Das Fundament der Sammlung wurde durch den bedeutenden Kauf von 88 Werken von Paul Klee gelegt. Dieser Erwerb, der damals 6 Millionen Deutsche Mark kostete, wurde von Ernst Beyeler vermittelt und unter der Aufsicht von Franz Meyer realisiert. Diese Kunstwerke bildeten den Keim für eine Sammlung, die sich im Laufe der Zeit zu einem bedeutenden Hort für zahlreiche weitere Schlüsselfiguren der Moderne ausweiten sollte.
Nach ihrer Gründung trat die Institution unter ihrem ersten Direktor, Werner Schmalenbach, der das Amt von 1962 bis 1990 innehatte, in eine Ära des tiefgreifenden Wachstums ein. In dieser prägenden Zeit weitete sich der Fokus der Sammlung über ihre ursprünglichen Schwerpunkte hinaus aus und umfasste ein immer breiteres Spektrum künstlerischer Strömungen. Die Entwicklung der Institution wurde maßgeblich durch diese stetige Erweiterung ihres Bestandes und ihr unermüdliches Engagement für die Erforschung der modernen Kunst geprägt.
Die Architektur der drei Ausstellungsorte
Die Institution entfaltet ihre kulturelle Präsenz über drei markante Standorte in Düsseldorf. Das K20 am Grabbeplatz, das im Jahr 1986 eingeweiht wurde, besticht durch seine markante, von schwarzem Granit geprägte Fassade. Dieses Gebäude bildet den zentralen Ort für die Sammlung der klassischen Moderne und bietet den Werken einen würdevollen Rahmen.
Im Gegensatz dazu widmet sich das K21 im ehemaligen Ständehaus am Kaiserteich der internationalen zeitgenössischen Kunst. Der Raum besticht durch seine einzigartigen architektonischen Besonderheiten, allen voran eine beeindruckende Glaskuppel. Diese großzügige Raumgestaltung ermöglicht es, das ehemalige Parlamentsgebäude für monumentale Installationen und komplexe Multimedia-Werke zu nutzen.
Seit 2009 bereichert das Schmela Haus die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Das von dem niederländischen Architekten Aldo van Eyck entworfene, denkmalgeschützte Bauwerk dient als Probenbühne und Veranstaltungsort für Vorträge und schafft so eine intimere Atmosphäre im Vergleich zu den weitläufigen Ausstellungsflächen. Gemeinsam bilden diese drei Venues ein harmonisches Ensemble, das den vielfältigen Anforderungen der verschiedenen Epochen und Medien der Sammlung gerecht wird.
Die Sammlung der Klassischen Moderne im K20
Das K20 beherbergt die Dauerpräsentation der NRW-Landesgalerie. Diese beeindruckende Zusammenstellung umfasst etwa 11.000 Werke, die die Entwicklung der Moderne eindrucksvoll nachzeichnen. Die Bestände zeigen bedeutende Beiträge von Pablo Picasso, Henri Matisse und Wassily Kandinsky. Diese Künstler verkörpern jene grundlegenden Verschiebungen in der visuellen Sprache, die den weitreichenden Horizont dieser Sammlung definieren.
Ein zentrales Element des K20 ist die umfassende Präsenz von Paul Klee. Die Institution bewahrt 100 Werke von Klee auf, darunter Gemälde, Zeichnungen und Farbstudien auf Papier. Die Bandbreite der Sammlung erstreckt sich über die Mitte des 20. Jahrhunderts hinaus und umfasst die Schaffen von Künstlern, die von Matisse bis hin zu Joseph Beuys und Gerhard Richter reichen. Diese künstlerische Progression ermöglicht eine unmittelbare Beobachtung der Evolution der europäischen und amerikanischen Moderne.
Die Nacht, 1919 - Max Beckmann
Die eiserne Brücke (Blick auf Frankfurt), 1922 - Max Beckmann
Mittagssnack, 1904 - Henri Matisse
Landschaft bei La Ciotat, 1907 - Georges Braque
Drei Katzen, 1913 - Franz Marc
Zeitgenössische Kunst und der Veranstaltungsort K21
Der Veranstaltungsort K21 residiert im historischen Ständehaus am Kaiserteich. Seit seiner Eröffnung im Jahr 2002 widmet sich dieser Raum der internationalen zeitgenössischen Kunst. Die architektonische Gestaltung gibt dabei die Inszenierung der Werke vor: Während das Erdgeschoss und das Belétage für internationale Ausstellungen zeitgenössischer Kunst reserviert sind, bieten diese Ebenen die notwendige Dimension für großformatige Installationen und multimediale Arbeiten.
Im ersten Stock befindet sich das Archiv von Dorothee und Konrad Fischer, ein Ort, der das institutionelle Gedächtnis bedeutender künstlerischer Positionen bewahrt. Der Ansatz des Museums im Umgang mit der Gegenwart manifestiert sich in einem ständigen Dialog zwischen der historischen Bausubstanz und modernen Medien, die von der Fotografie über den Film bis hin zur Videoinstallation reichen. Die Sammlung im K21 wächst stetig weiter durch den Erwerb von Werken, die aktuelle globale Perspektiven widerspiegeln.
Meisterwerke der Museumssammlung
Die Sammlung beherbergt bedeutende Werke des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, die den radikalen Wandel hin zu einer modernen Bildsprache definieren. Max Beckmann findet sich in den kraftvollen Kompositionen Die Nacht, entstanden um 1919, sowie Die eiserne Brücke (Blick auf Frankfurt), datiert auf etwa 1922, wieder. Diese Stücke spiegeln die sich wandelnden Perspektiven jener Ära auf die Form und das pulsierende Stadtleben wider. In ähnlicher Weise bewahrt das Museum Werke wie Zwei Frauen auf der Straße, etwa aus dem Jahr 1914, von Ernst Ludwig Kirchner, neben dem Werk Negertanz, ebenfalls aus der Zeit um 1914.
Die faszinierende Evolution von Farbe und Abstraktion offenbart sich in den Schöpfungen von Paul Klee und Henri Matisse. Zu Klee zählen unter anderem Flora auf Felsen Sonne, datiert auf etwa 1940, und Rote und weisse Kuppeln (auch bekannt als Red and white cupolas), entstanden um 1914. Matisse wird durch das Werk Mittagssnack (auch bekannt als Golf von Saint-Tropez) aus dem Jahr 1904 repräsentiert. Diese Kunstwerke zeugen von jener experimentellen Kraft in Bezug auf Farbe und Symbolik, die diese Epoche so maßgeblich geprägt hat.
Weitere essenzielle Bestände umfassen:
Landschaft in La Ciotat, 1907 - Georges Braque
Drei Katzen, 1913 - Franz Marc
Jüngste Akquisitionen und neue Werke
Die Institution erweitert ihren Bestand kontinuierlich durch gezielte Akquisitionen, die die aktuellen künstlerischen Entwicklungen widerspiegeln. In den Jahren zwischen 2021 und 2022 wuchs die Sammlung um Zeichnungen von Sabine Moritz sowie eine Serie von Schwarz-Weiß-Fotografien von Ursula Schulz-Dornburg. Diese Ergänzungen bereichern den fortlaufenden Dialog zwischen verschiedenen Medien und historischen Perspektiven innerhalb der ständigen Sammlung.
Ein bedeutender Schwerpunkt bleibt die geometrische Abstraktion. Dies zeigt sich unter anderem in der jüngsten Anschaffung eines sechsteiligen Ensembles geometrisch-abstrakter Gemälde von Sabrina Fritsch. Solche Werke ergänzen die bestehende Betonung von formalen Experimenten und räumlichen Untersuchungen. Zudem integriert das Museum stetig neue malerische Praktiken in seine Bestände, was sich zuletzt durch den Erwerb von Werken von Tamina Amadyar, Paul Czerlitzki und Anna Boghiguian manifestierte.
