Die gemeinsame Vision von H+H Joos
Der Name H+H Joos steht für eine schöpferische Verbindung zwischen Hildegard Joos und ihrem Ehemann Harold Joos. Ihre Zusammenarbeit entsprang einem gemeinsamen Leben zwischen den Ateliers von Wien und Paris. Während Hildegards individueller Weg durch den Übergang vom figurativen Expressionismus zur rigorosen Logik der geometrischen Abstraktion geprägt war, ermöglichte die Arbeit mit Harold einen spezifischen, vereinten Ausdruck. Sie unterzeichneten ihre gemeinsamen Werke oft mit diesem kombinierten Namen, was eine Zeit markiert, in der ihr privates und ihr professionelles Leben durch das Medium der Malerei untrennbar miteinander verschmolzen.
Ihre Partnerschaft entfaltete sich, als Hildegard sich von den farbenfrohen, expressiven Figuren ihrer frühen Ausbildung an der Akademie der bildenden Künste in Wien hin zu einer strukturierteren Sprache entwickelte. Diese Evolution führte sie in die Bereiche des Konstruktivismus und der monistischen Malerei. Im stillen Rhythmus ihres gemeinsamen Ateliers wurden die Grenzen zwischen den individuellen Stilen weich und machten einer kollektiven Erkundung von Form und Raum Platz.
Evolution von Form und Geometrie
Die unter dem Namen H+H Joos entstandenen Werke spiegeln ein tiefes Interesse an den zugrunde liegenden Strukturen der visuellen Wahrnehmung wider. Ihre Leinwände lösten sich oft von der Darstellung der physischen Welt und konzentrierten sich stattdessen auf das Spannungsfeld zwischen Farbe und Geometrie. Diese Lebensphase war durch eine Hinwendung zur Abstraktion definiert, die danach strebte, Ordnung innerhalb der Komposition zu finden.
In den Jahren ihrer Zusammenarbeit kristallisierten sich mehrere zentrale Themen heraus:
- Die Verwendung von Schachbrett- und Rastermustern zur Organisation der Bildfläche.
- Die Erforschung des Gleichgewichts durch geometrische Anordnung.
- Das Zusammenspiel von Primärfarben und räumlicher Tiefe.
In Werken wie Multibalance und Transvibration findet sich eine Bewegung in der Stille. Diese Stücke stützen sich nicht auf die Darstellung von Objekten, sondern auf die Art und Weise, wie Licht und Farbe auf einer Oberfläche interagieren. Als sie in den 1990er Jahren Allover schufen, war die Sprache ihres Schaffens zu einer verfeinerten Studie darüber geworden, wie Formen einen Raum besetzen können, ohne auf die traditionelle Perspektive angewiesen zu sein.
Ein Vermächtnis der Abstraktion
Der Einfluss ihrer gemeinsamen Schaffensperiode zeigt sich in der Art und Weise, wie sie die Leinwand als Ort für mathematische und visuelle Untersuchungen begriffen. Ihre Präsenz in der Kunstszene wurde durch die Beteiligung an bedeutenden Kreisen, wie dem Salon des Réalités Nouvelles, gefestigt. Dieses Engagement platzierte ihre abstrakten Erkundungen in einen breiteren europäischen Kontext und führte sie über die Grenzen Österreichs hinaus.
Spätere Werke wie Rot/Blau und ZBR Nr. 3 zeugen von einem fortwährenden Bekenntnis zu den Prinzipien der Abstraktion. Selbst als die Jahrzehnte verstrichen, blieb der Fokus auf der wesentlichen Beziehung zwischen Farbe und Form. Ihr Beitrag zur Entwicklung der geometrischen Abstraktion bleibt ein bedeutendes Kapitel in der Geschichte der modernen Malerei und markiert eine Zeit, in der der Akt des Erschaffens ein gemeinsames, diszipliniertes Streben nach visueller Wahrheit war.
