Die Materialität der Zeit
Ein Werk von Harold Klunder zu betrachten bedeutet, Zeuge der physischen Akkumulation von Jahren zu werden. Er malt nicht bloß; er schichtet Ebenen auf, die sowohl vom Schöpfer als auch vom Betrachter Geduld fordern. Sein Prozess ist langsam und benötigt oft ein Jahrzehnt oder mehr, um einen Zustand der Vollendung zu erreichen. Hier geht es nicht um flüchtige Gesten, sondern um die schwere, texturierte Realität von Öl auf Leinen, Sackleinen oder Leinwand. Das Werk entfaltet sich durch eine bewusste Anhäube von Farbe, bei der dicke Impasto-Spuren und organische Wirbel eine Oberfläche schaffen, die beinahe skulptural anmutt. Er vermeidet die Oberflächlichkeit moderner Geschwindigkeit und entscheidet sich stattdessen für eine Methode, bei der die Trocknungszeit ständiges Überarbeiten und Verfeinern ermöglicht.
Die Ergebnisse werden oft unter Begriffen wie Neoexpressionismus oder psychischer Realismus eingeordnet, doch diese Bezeichnungen greifen zu kurz, um das schiere Gewicht seines Schaffens zu erfassen. Seine Leinwände zeigen häufig Gesichter, die in topografischen Lavierungen zerfließen, oder Landschaften, die aus dichten schwarzen Linien hervortreten. Es besteht eine Spannung zwischen dem Figürlichen und dem Abstrakten. In einem Moment deutet eine Form ein menschliches Antlitz an; im nächsten geht sie in einer Flut aus satten, warmen Farbtönen verloren. Dieses Pendeln zwischen Repräsentation und Abstraktion definiert sein gesamtes Werk.
Von Deventer nach Montreal
Der Weg von Klunders Karriere begann weit entfernt von den Ateliers Quebecs. Geboren 1943 in Deventer, Niederlande, zog er als Kind 1952 nach Kanada. Dieser Übergang von der Nachkriegsrealität der Niederlande zur kanadischen Landschaft legte den Grundstein für seine späteren Auseinandersetzungen mit Identität und Erinnerung. Seine formale Ausbildung erhielt er zwischen 1960 und 1964 an der Central Technical School in Toronto, wo er von Persönlichkeiten wie Doris McCarthy und Charles Goldhammer lernte. Diese traditionelle Ausbildung konzentrierte sich auf die Mechanik des Handwerks – das Mischen von Farben, den Umgang mit dem Pinsel und das Sehen selbst. Es war ein praktischer, strenger Beginn, der akademische Theorie zugunsten technischer Meisterschaft hinter sich ließ.
Bis 1970 widmete er sich ganz der Malerei. Seine frühen Arbeiten in den 1970er Jahren nutzten geometrische Formen und Muster, die oft von Fundstücken abgeleitet waren. Doch in den 1980er Jahren vollzog sich ein Wandel. Er wandte sich von Acrylfarben ab und ging zu Ölfarben über, eine Veränderung, welche die Materialität seiner Arbeit signifikant steigerte. In dieser Ära entwickelte sich sein charakteristischer Stil: großformatige Gemälde mit kühnen, schweren Pinselstrichen, die Vergleiche zur gestischen Intensität eines Willem de Kooning oder den texturierten Traditionen Rembrandts zuließen.
Ein Vermächtnis in öffentlichen Sammlungen
Die Bedeutung von Klunders Werk wird durch seine Präsenz in den bedeutendsten Institutionen Kanadas bestätigt. Seine Gemälde sind nicht in privater Vergessenheit verloren, sondern befinden sich in permanenten Sammlungen, die den nationalen Kanon definieren. Dazu gehören:
- National Gallery of Canada
- Art Gallery of Ontario
- Musée d’art contemporain de Montréal
- Winnipeg Art Gallery
- Art Gallery of Newfoundland and Labrador
Seine Karriere war von stetigem, dokumentiertem Fortschritt geprägt und nicht von plötzlichem, unverdientem Ruhm. Von seiner ersten großen Einzelausstellung in der Sable-Castelli Gallery im Jahr 1976 bis zu seiner Wahl als Mitglied der Royal Canadian Academy of Arts im Jahr 1983 basierte sein Aufstieg auf dem sichtbaren Zeugnis seiner Arbeit. Während er in Montreal lebt, unterhielt er Ateliers in Flesherton, Ontario, und Pouch Cove, Neufundland. Sein Werk bleibt eine schwere, physische Präsenz in der zeitgenössischen Kunstlandschaft und erinnert die Betrachter daran, dass wahre Tiefe Zeit benötigt.
