Frühes Leben und künstlerische Ausbildung
Geboren im Wien des Jahres 1940, begann Martha Jungwirth ihre formale Auseinandersetzung mit der Kunst in einer prägenden Phase der Mitte des Jahrhunderts. Im Jahr 1956 trat sie in die Akademie für angewandte Kunst ein – ein Ort, an dem sie die folgenden sieben Jahre damit verbringen sollte, ihr technisches Verständnis zu verfeinern. Während ihrer Zeit an der Akademie studierte sie bei Professor Carl Unger und entwickelte dabei jene grundlegenden Fertigkeiten, die ihr später den Weg in experimentellere, unkonventionelle Territorien ebnen sollten.
Ihr Talent wurde bereits früh von der künstlerischen Gemeinschaft in Österreich gewürdigt. Im Jahr 1961 wurde ihr der Msgr. Otto Mauer Preis verliehen, eine Auszeichnung, die sie bereits während ihrer Studienzeit erhielt. Dieser Aufschwung setzte sich fort, während sie ihre Ausbildung abschloss und in ihre frühen Berufsjahre eintrat. Sie wurde 1964 mit dem Theodor Körner Preis ausgezeichnet, gefolgt vom Joan Miró Preis im Jahr 1966. Diese Ehrungen markierten den Beginn einer langen Karriere, die von der unermüdlichen Suche nach einer ganz persönlichen visuellen Sprache geprägt war.
Das Kollektiv Wirklichkeiten und die Lehrtätigkeit
In den späten 1960er Jahren entwickelte sich Jungwirth zu einer zentralen Figur innerhalb eines losen Künstlerzusammenschlusses, der unter dem Namen Wirklichkeiten bekannt wurde. Innerhalb dieser Gruppe nahm sie eine einzigartige Stellung ein, da sie das einzige weibliche Mitglied war. Gemeinsam mit Wolfgang Herzig, Kurt Kocherscheidt, Peter Pongratz, Franz Ringel und Robert Zeppel-Sperl prägte sie die künstlerische Dynamik dieser Ära. Die Präsenz des Kollektivs in der Wiener Kunstszene war unübersehbar, was insbesondere durch eine bedeutende Ausstellung in der Secession im Jahr 1968 unterstrichen wurde. Diese Gruppe blieb bis 1972 als geschlossene Einheit in der Kunstwelt präsent und stellte ihre Werke gemeinsam aus.
Ihr künstlerischer Einfluss erstreckte sich jedoch weit über die reine Praxis hinaus in den akademischen Raum, was durch ihre langjährige Tätigkeit an der Akademie der angewandten Künste in Wien manifestiert wurde. Von 1967 bis 1977 gab sie ihre Perspektiven und ihr tiefes Verständnis an eine neue Generation von Studierenden weiter. Diese Phase der Lehrtätigkeit stellte einen wesentlichen Pfeiler ihres Berufslebens dar und verankerte sie fest in der akademischen Gemeinschaft ihrer Heimatstadt.
Über ihre regulären Lehrverpflichtungen in Wien hinaus teilte sie ihr Wissen auch im Rahmen internationaler Sommerakademien. Im Jahr 1991 war sie Teil des Lehrkörpers der Internationalen Sommerakademie, und im darauffolgenden Jahr unterrichtete sie an der Sommerakademie in Berlin. Diese Erfahrungen ermöglichten es ihr, sich intensiv mit der breiteren europäischen Kunstlandschaft auseinanderzusetzen, während sie gleichzeitig ihre tiefen Wurzeln in der österreichischen Kunstwelt bewahrte.
Technik und künstlerischer Stil
Jungwirths Herangehensweise an die Malerei ist zutiefst physisch – ein Prozess, den sie als einen direkten Rhythmus beschreibt, der ihren gesamten Körper involviert. Ihr Werk ist keine distanzierte intellektuelle Übung, sondern ein viszerales Zeugnis von Präsenz. Während des Malprozesses bleiben die Spuren ihrer Bewegung in der Oberfläche eingebettet; Fingerabdrücke, Kratzer und sogar Schuhabdrücke bleiben als greifbare Beweise ihrer Bewegung im kreativen Akt zurück. Diese Methode platziert ihre Arbeiten in einen rastlosen Raum zwischen Zufall und Kalkulation, in dem sie den schmalen Grat zwischen reiner Abstraktion und der Andeutung von Repräsentation navigiert.
Die Materialien, die sie wählt, tragen oft ihre eigene Geschichte und Textur in sich. Sie sprengt die Grenzen traditioneller Leinwände und arbeitet auf unkonventionellen Untergründen, darunter Pappe, handgeschöpftes Papier und sogar Rechnungsbücher. Es ist bekannt, dass sie Papierrollen aus Nepal und die Rückwände alter Bilderrahmen verwendet, um ihren Kompositionen Ebenen der Unvorhersehbarkeit hinzuzufügen. Durch Techniken wie Zeichnung, Aquarell, Collage und Ölmalerei erschafft sie eine taktile Sprache, die sich zugleich spontan und tief durchdacht anfühlt.
Ihre Farbpalette spiegelt oft eine körperliche, fleischliche Qualität wider. Häufig verwendet sie Nuancen von Blutrot, einem prellungsartigen Magenta und verschiedenen fleischigen Rosatönen, um ihre abstrakten Formen zu erden. Diese Farbwahl, kombiniert mit ihrem nonkonformistischen Stil, erzeugt eine Spannung, die bereits existiert, bevor sich gesprochene Sprache oder Erinnerung überhaupt formen können. Die resultierenden Werke sind nicht bloß Bilder, sondern seismographische Aufzeichnungen ihrer inneren und äußeren Impulse.
Große Ausstellungen und Meilensteine der Karriere
Die Präsenz von Jungwirth in der internationalen Kunstszene wuchs über mehrere Jahrzehnte hinweg stetig an. Ein entscheidender Moment ereignete sich im Jahr 1977, als ihre Arbeiten in die documenta 6 in Kassel aufgenommen wurden. Diese Phase der Anerkennung setzte sich in zahlreichen Einzelpräsentationen fort, darunter eine Retrospektive in der Kunsthalle Krems im Jahr 2014. Ihr Werk war zudem immer wieder Gegenstand des Interesses in bedeutenden Institutionen, wie etwa bei ihrer Einzelausstellung in der Albertina in Wien im Jahr 2018.
Die Würdigung ihres einzigartigen Ansatzes der Abstraktion wurde durch mehrere hochkarätige Auszeichnungen unterstrichen. Im Jahr 2018 wurde sie mit dem Oskar Kokoschka Preis ausgezeichnet. Darauf folgte der Österreichische Staatspreis im Jahr 2021, ein bedeutender Meilenstein, der ihren langjährigen Beitrag zur Kunst würdigte. Ihre Ausstellungen finden auch weiterhin ein großes Publikum, was durch eine Einzelausstellung in der Kunsthalle Düsseldorf im Jahr 2022 und eine umfassende Retrospektive im Guggenheim-Museum in Bilbao im Jahr 2024 belegt wird.
Hauptwerke und Serien
Das künstlerische Schaffen von Martha Jungwirth wurde oft durch die physische Dimension und die experimentelle Natur ihrer gewählten Oberflächen definiert. Um 1974–76 schuf sie die großformatige Serie „Indesit“ – Werke, die begannen, die Rhythmen urbaner Infrastrukturen und körperlicher Systeme widerzuspiegeln. Diese Stücke lösten sich von traditionellen Grenzen und nutzten oft unkonventionelle Bildträger wie Pappe, handgeschöpftes Papier oder sogar alte Rechnungsbücher, um ein Gefühl der Spontaneität zu erzeugen. Diese Bereitschaft, auf fast jedem Material zu arbeiten, das Farbe aufnehmen konnte, erlaubte es ihr, den Akt des Malens als ein direktes, physisches Protokoll ihrer eigenen Bewegung zu behandeln.
Ihre späteren Arbeiten führen diese Erkundung von Maßstab und Textur fort. Im Jahr 2021 schuf sie Maja I, ein Ölgemälde auf Papier auf Leinwand, das eine beeindruckende Größe von 238,8 x 299,6 cm erreicht. Dieses Werk zeigt, zusammen mit ihrer 2022 entstandenen Arbeit Untitled from the series Witches’ Flight, wie sie einen Dialog zwischen der spontanen Geste und einer strukturierten Komposition aufrechterhält. Selbst bei der Arbeit mit zarteren Medien, wie der Aquarellarbeit Here and Now and Never Again aus den Jahren 1982-83, spürt man die Spannung, die sie einzufangen sucht – ein Balanceakt zwischen dem Geplanten und dem dem Zufall Überlassenen.
- Maja I (2021)
- Here and Now and Never Again (1982-83)
- Untitled from the series Witches’ Flight (2022)
Wo man ihre Werke sehen kann
Die Suche nach ihren Gemälden gleicht oft einer Reise durch die bedeutendsten kulturellen Zentren Europas und weit darüber hinaus. Ihre Präsenz in der Kunstwelt ist in jenen institutionellen Sammlungen spürbar, die ihren einzigartigen, nonkonformistischen Ansatz der Abstraktion schätzen. Für all jene, die ihr Schaffen in einem formellen europäischen Kontext erleben möchten, bietet die Sammlung zeitgenössischer Kunst des Europäischen Parlaments Werke, die ihren langjährigen Einfluss widerspiegeln. Ihre Reichweite erstreckt sich zudem auf bedeutende Museen wie das Essl Museum in Klosterneuburg, wo ihre visuelle Sprache einer tiefgehenden Untersuchung unterzogen wurde.
Ihre Kunst findet auch in Räumen ihren Platz, die die Schnittstelle zwischen Geschichte und modernem Ausdruck betonen. In Venedig wurden ihre Gemälde in der Galleria di Palazzo Cini ausgestellt – eingebettet in ein Ambiente, das die Schwere und Textur ihres eigenen kreativen Prozesses widerspiegelt. Über den europäischen Kontinent hinaus reicht ihr Einfluss bis zum Long Museum in Shanghai, was eindrucksvoll belegt, dass ihr intuitiver, körperbetonter Malstil weit über ihre österreichischen Wurzeln hinaus Resonanz findet.
