Die Architektur der Präsenz
Geboren 1957 in Tel Aviv, widmet Michal Rovner Hammer ihrer Karriere der Erkundung jener verschwommenen Grenzen zwischen dem Sichtbaren und dem Fühlbaren. Ihre frühen akademischen Studien an der Universität Tel Aviv in den Bereichen Kino, Fernsehen und Philosophie legten das Fundament für eine künstlerische Praxis, die sich weigert, durch ein einziges Medium begrenzt zu werden. Im Jahr 1978 mitgründete sie die Camera Obscura School of Art, ein bedeutendes Projekt für die Fotografie in ihrer Heimatstadt. Diese Phase des institutionellen Aufbaus ging ihrem Umzug nach New York im Jahr 1987 voraus – ein Übergang, der ihr Werk schließlich über Kontinente und Disziplinen hinweg ausweiten sollte.
Ihre technische Evolution ist geprägt von einer bewussten Manipulation der Realität. In den frühen 1990er Jahren arbeitete sie gemeinsam mit dem Regisseur Robert Frank an Filmen wie One Hour-C’est Vrai und Last Supper. In dieser Ära begannen ihre fotografischen Serien, eine charakteristische Verzerrung aufzuweisen. In Outside (1990–91) transformierte sie Bilder von Beduinenzelten in der israelischen Wüste durch repetitives Drucken und Skalieren, wodurch spektrale, sich ständig wandelnde Strukturen entstanden. Diese Tendenz zur Abstraktion setzte sich in der Decoy-Serie fort, in der Radar- und Überwachungsbilder verändert wurden, um undeutliche Menschengruppen darzustellen, sowie in One-Person Game Against Nature, das verzerrte Fotografien von Gestalten im Toten Meer nutzte.
Die Geometrie von Konflikt und Verbindung
Das Werk von Michal Rovner Hammer thematisiert oft die Spannung, die Grenzen und Grenzlinien innewohnt. Ihr Video Border aus den Jahren 1996–97 nutzte die militärische Zufahrtsstraße zwischen Israel und dem Libanon als Ort, um politische und psychologische Demarkationslinien zu erforschen. In dieser Zeit schuf sie zudem Installationen, die direkt an Elektrozäunen und Wachtürmen entlang der israelisch-libanesischen Grenze platziert waren. Diese Arbeiten suchten nicht nach einem direkten politischen Kommentar, sondern wollten vielmehr Situationen von Brüchen und Verletzlichkeit präsentieren.
Mit der Reifung ihrer Praxis begann sie, digitale Technologie mit haptischeren Elementen zu verknüpfen. Sie verschmolz häufig Fotografie, Video und digitale Kunst zu einer einzigen, kohärenten Sprache. In den Monoprints of Birds (1998) nutzte sie anonyme Menschenmengen oder Tiere, um Massenbewegungen zu untersuchen. Ihre späteren Werke zeigen oft Figuren, die ihre individuellen Konturen verloren haben und Teil größerer, abstrakterer Muster werden. Dies zeigt sich deutlich in Mechanism (20118), wo winzige menschliche Gestalten wie Zahnräder innerhalb eines großen Systems rotieren und so andeuten, wie Individuen in breitere technologische oder soziale Strukturen integriert werden.
Anerkennung und bleibende Spuren
Die Reichweite ihres Werkes erstreckt sich bis zu den bedeutendsten Institutionen der Welt. Ihre Ausstellungen fanden im Louvre, im Whitney Museum of American Art und im Stedelijk Museum statt. Sie repräsentierte Israel auf der 50. Biennale von Venedig im Jahr 2003 – ein Moment, der ihre Fähigkeit unterstrich, Ausstellungsräume durch Maßstab und Projektion zu transformieren. Die Verwendung von Stein als Medium, insbesondere in der Ausstellung In Stone, ermöglichte es ihr, Bilder auf antike Tafeln zu projizieren und so das Digitale mit dem Geologischen zu verschmelzen.
Ihre Beiträge zur bildenden Kunst wurden mit mehreren hohen Ehren ausgezeichnet, darunter der Israel Prize im Jahr 2023 sowie der Titel eines Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres. Ihr Werk befindet sich in permanenten Sammlungen, darunter:
- Guggenheim Museums
- Whitney Museum of American Art
- Louvre
- Yad Vashem
- Los Angeles County Museum of Art (LACMA)
- The Jewish Museum
- National Museum of Women in the Arts
