Quartered Meteor

Artiste

Lynda Benglis

Né(e) à Lake Charles, États-Unis d'Amérique

Lynda Benglis : Une Biographie

Née: Lake Charles, États-Unis d'Amérique (1941)

Origine: AllPaintingsStore

Statut: Vivante

Première Vie et Formation

Lynda Benglis est née le 25 octobre 1941 à Lake Charles, en Louisiane. Elle est d'origine américano-grecque. Son père dirigeait une entreprise de matériaux de construction, et sa mère, originaire du Mississippi, était la fille d'un prédicateur.

Elle a fréquenté l'université McNeese State avant d'obtenir un BFA en 1964 au Newcomb College (qui fait partie de Tulane University) où elle a étudié la céramique et la peinture.

Après avoir obtenu son diplôme, Benglis a brièvement enseigné dans une école primaire à Jefferson Parish, en Louisiane.

En 1964, elle déménagea à New York City, s'immergeant dans la scène artistique vibrante et rencontrant des artistes influents comme Andy Warhol, Donald Judd, Sol LeWitt, Eva Hesse et Barnett Newman. Elle a poursuivi ses études à la Brooklyn Museum Art School.

Développement Artistique et Œuvres Clés

Influences Précoces : Les premiers travaux de Benglis ont été influencés par l'expressionnisme abstrait, en particulier la peinture gestuelle de Jackson Pollock et les peintures « zip » de Barnett Newman.

Expérimentation avec les Matériaux : Elle a commencé à expérimenter avec la cire d'abeille avant de passer au latex coulé et à la mousse de polyuréthane dans les années 1970. Ces matériaux lui ont permis d'explorer la fluidité, l'échelle et les formes non conventionnelles.

"Fallen Painting" (1968) : Cette œuvre est importante pour sa perspective féministe, impliquant de barbouiller de la peinture Day-Glo sur le sol d'une galerie. Elle visait à perturber le mouvement minimaliste dominé par les hommes avec sa nature suggestive.

Sculptures en Latex et Polyuréthane : Benglis est devenue connue pour ses sculptures en latex coulées à grande échelle, qui ont remis en question les notions traditionnelles de sculpture et de matérialité.

Sculpture Métallique & Feuille d'Or : Dans les années 1980, elle s'est tournée vers le travail avec le métal, créant des formes nouées et plissées souvent ornées de feuilles d'or, de zinc et d'aluminium.

Art Vidéo : Benglis a également exploré l'art vidéo, produisant des œuvres incorporant des thèmes biographiques et féministes.

Controverse et Importance Féministe

La Publicité Artforum (1974) : Une publicité très controversée dans Artforum présentant Benglis posant de manière provocante avec un grand dildo en latex a suscité un débat sur la sexualité féminine, la représentation et le monde de l'art. Cet acte visait à remettre en question les dynamiques de genre au sein de la communauté artistique.

Réponse & Critique : La publicité a reçu des critiques de certains cercles féministes qui estimaient qu'elle exploitait la sexualité féminine plutôt que d'autonomiser les femmes. Cependant, Benglis a soutenu qu'elle revendiquait le contrôle de son image et remettait en question la domination masculine sur le marché de l'art.

"Smile" Sculptures : En réponse aux réactions négatives, Benglis a créé cinq sculptures en plomb du dildo provenant de la publicité, intitulées "Smile", chacune étant dédiée à un éditeur qui avait critiqué son travail.

Remettre en Question les Normes de Genre : Le travail de Benglis, en particulier la publicité Artforum et les œuvres connexes, a directement confronté les représentations traditionnelles des femmes dans l'art et la culture populaire, contribuant ainsi de manière significative au discours féministe dans le monde de l'art.

Héritage et Influence

Lynda Benglis a eu un impact profond sur la sculpture contemporaine, repoussant les limites avec son utilisation innovante des matériaux et son exploration de thèmes liés au genre, à la sexualité et au pouvoir.

Son travail est inclus dans d'importantes collections de musées du monde entier, consolidant ainsi sa position en tant que figure importante de l'art du XXe et XXIe siècle.

La volonté de Benglis de remettre en question les conventions et de confronter les normes sociétales a inspiré des générations d'artistes, en particulier les femmes, à explorer leur propre identité et leurs perspectives à travers leur pratique créative.

Musée

The Hepworth Wakefield

Exposé à Wakefield, Royaume-Uni

The Hepworth Wakefield : Un Sanctuaire de Sculpture et de Lumière

Situé sur la rive sud de la rivière Calder à Wakefield, dans le West Yorkshire, The Hepworth Wakefield est bien plus qu'une simple galerie ; c'est une affirmation architecturale et un témoignage vibrant de l'héritage de Barbara Hepworth — une célébration de l'art moderniste britannique qui continue d'émerveiller les visiteurs. Inauguré en 2011 par les architectes de David Chipperfield, cet édifice incarne l'esprit même de son homonyme : la simplicité, l'élégance et une connexion profonde avec le paysage environnant.

Une merveille architecturale :

Conçue par David Chipperfield, la galerie se compose de dix blocs trapézoïdaux revêtus de béton pigmenté — un choix de matériau révolutionnaire qui reflète l'hérit et industriel de Wakefield tout en adoptant une esthétique résolument moderne.

L'héritage de Hepworth :

La collection abrite plus de 400 sculptures et dessins de Barbara Hepworth, illustrant son approche pionnière de la forme, de l'espace et de la matière — des premières œuvres figuratives aux explorations de plus en plus abstraites de la figure humaine.

Une diversité de voix artistiques :

Au-delà des contributions de Hepworth, The Hepiente Wakefield soutient une riche tapisserie d'artistes britanniques modernes et contemporains, notamment Henry Moore, Helen Chadwick et David Hockney, favorisant ainsi le dialogue entre les maîtres et les talents émergents.

Une Histoire Enracinée dans la Tradition

Les origines de la galerie remontent à la Wakefield Art Gallery, établie en 1923 en tant qu'institution culturelle locale — un espace dédié à l'éveil de la sensibilité artistique au sein de la communauté. Cependant, c'est la vision ambitieuse de créer un lieu conçu sur mesure, digne d'honorer l'influence de Hepworth et de faire progresser la sculpture britannique, qui a propulsé sa transformation en The Hepworth Wakefield.

Les premières années :

La Wakefield Art Gallery se concentrait initialement sur l'exposition d'œuvres de maîtres européens aux côtés d'artistes régionaux.

L'initiative du Prix :

Lancé en 2015, le Hepworth Prize for Sculpture offre une plateforme cruciale pour soutenir les talents sculpturaux émergents et renforcer l'innovation artistique britannique.

Reconnaissance et distinctions :

Le génie architectural de la galerie a été salué par le prix du Musée de l'année au Royaume-Uni en 2017 — un témoignage de son engagement envers l'excellence et le lien avec ses visiteurs.

Explorer l'Art Contemporain à travers la Sculpture

The Hepworth Wakefield se distingue par son dévouement inébranlable à la mise en valeur de l'art contemporain, et plus particulièrement de la sculpture. Ses conservateurs s'efforcent de présenter des expositions qui bousculent les perceptions et éveillent la curiosité intellectuelle, favorisant une compréhension plus profonde de l'expression artistique et de son rôle dans le façonnement de notre paysage culturel.

Expositions récentes :

Parmi les moments forts, citons des rétrospectives dédiées à des artistes comme Helen Chadwick, offrant des perspectives nouvelles sur des œuvres révolutionnaires, ainsi que des explorations de divers médiums artistiques.

Engagement communautaire :

Les ateliers, les programmes éducatifs et les événements étendent le rayonnement de The Hepworth Wakefield au-delà de ses galeries, créant un lien avec le public local et promouvant la culture artistique.

Une destination unique :

Alliant grandeur architecturale et programme artistique vibrant, The Hepworth Wakefield offre une expérience immersive pour les passionnés d'art en quête d'inspiration et de découverte du patrimoine britannique.

Au-delà des Murs : Une Célébration de l'Influence de la Sculpture

L'éthos de The Hepworth Wakefield transcende la simple exposition ; il incarne la conviction que la sculpture possède la capacité de communiquer des émotions, de provoquer la pensée et d'enrichir notre compréhension du monde qui nous entoure. Son engagement envers les artistes émergents garantit que la sculpture britannique continue d'évoluer — inspirant les futures générations de créateurs et enrichissant le discours culturel.

Le legs de Tim Sayer :

La galerie a acquis l'œuvre de Hepworth,

Sculpture with Colour (Oval Form) Pale Blue and Red (1943)

— une œuvre monumentale précédemment vendue aux enchères — grâce à un legs généreux de Tim Sayer, renforçant ainsi sa collection d'artistes britanniques célèbres.

Recherche et collaboration continues :

Les partenariats avec des institutions telles que l'Art Fund soulignent le dévouement de The Hepworth Wakefield à faire progresser la recherche artistique et à favoriser le dialogue entre l'art et la société.