ხატულა/ავტორი
დაბადების ადგილი ტურინი, იტალია
იმპრესიონისტული სკულპტურის პიონერი: მედარდო როსოს ცხოვრება და ხელოვნება
მედარდო როსო, რომელიც იტალიის ქალაქ ტურინში, 1858 წლის 21 ივნისს დაიბადა, იყო მოგemბე, რომელსაც საკუთარი ხელოვნების ფორმის საფუძვლების გამოწვევა გაბედა. იგი მხოლოდ ქვის ან ბრინჯაჟის ფორმებს კი არ ქმნიდა, არამედ ცდილობდა სამგანზომილებიან სივრცეში დაეკონკრებინა წარმავალი მომენტები, სინათლისა და ჩრდილის ეფემერული თამაში და თავისი სუბიტიექტების ფსიქოლოგიური სიღრმე – ამგვარმა ამბიციამ იგი თანამედროვეთებისგან განასხვავა და ტრადიციული სკულპტურიდან მოდერნიზმამდე გადასვლის ეპოქაში საკვანძო ფიგურად აქცია. მისი ადრეული ცხოვრება ამ ამბოხებადი სულის წინასწარმეტყველს წარმოადგენდა. თორმეტი წლის ასაკში ოჯახთან ერთად მილანში გადასვლამ, მოკლე სამხედრო სამსახურის შემდეგ, ბრერას აკადემიადან გამოს expulsion-ით დასრულდა, რადგან იგი ხატვის გაკვეთილებში რადიკალური ცვლილებებისათვის ითხოვდა – კერძოდ, ტრადიციული მეთოდების ნაცვლად ცოცხალი მოდელებისა და ანატომიური კვლევების გამოყენებას. ეს გამოს expulsion არ იყო წარუმატებლობა, არამედ დამოუკიდებლობის დეკლარაცია, რაც მიანიშნებდა მის უარზე დამკვიდრებული სახელოვნებო ნორმებისადმი მორჩილებაზე.
რეალიზმიდან წარმავალ შთაბეჭდილებამდე
როსოს შემოქმედებითი გზა რეალისტური გავლენებით დაიწყო, რაც აშკარაა მის ადრეულ ნაშრომებში, როგორიცაა ჰულიგანი (1882) და კოცნა ლამპის ქვეშ (1882). თუმცა, 1882 წლის შემდეგ რადიკალური ცვლილება მოხდა, როდესაც მან იმპრესიონიზმი აღმოაჩინა. ეს შეხვედრა არ ნიშნავდა ფუნჯის მონასმების თიხაში რეპლიკაციას; ეს იყო მომენტური შეგრძნებების დაჭერის ფილოსოფიის შთანთქმა. სკულპტურები, როგორიცაა პორტინაია (კონსიერჟი) (1883-84) და სხვისი ხორცი (1883-84), ასახავს ამ ევოლუციას, სადაც ვლინდება მიღწევა ესკიზური მოდელირებისკენ, ბრტყელი სიბრტყეებისა და დეტალების შეგნებულად რბილებისკენ. მას არ აინტერესებდა ზუსტი რეპრეზენტაცია, არამედ სურდა შთაბეჭდილების – გრძნობის გამოწვევა. ეს მიდგომა რევოლუციური იყო სკულპტურისთვის, რომელიც ტრადიციულად მუდმივობასა და ზედმიწევნით დეტალიზაციაზე იყო ორიენტირებული. როსოს უნიკალურმა ტექნიკამ კიდევ უფრო გააძლიერა ეს ეფექტი; იგი იშვიათად ქმნიდა მოსამზადებელ ნახატებს და ამჯობინებდა პირდაპირ თიხასთან მუშაობას, ფორმების ინტუიციურად აგებას. ეს თიხის მოდელები შემდეგ ბრინჯაჟში, გიპსოში ან ცვილისგან იღებოდა და, რაც მთავარია, იგი ხშირად ტოვებდა ქსავის პროცესში არსებულ უსრულწესოობას, რაც ნაწარმოების განუყოფელ ნაწილად მიიჩნეოდა.
უნიკალური პროცესი და გავლენიანი კავშირები
როსოს შემოქმედებითი ხედვის ცენტრში სინათლისადმი მისი გატაცება დგას. იგი არ ახდენდა მხოლოდ თავისი ქანდაკებების განათებას; იგი მათ სპეციალურად აპროექტებდა ისე, რომ სინათლე მათზე მოქმედებდეს, რათა გაეგო, როგორ შეერწყმებოდა სინათლე მათ უხეშ ზედაპირებს და ქმნიდა ჩრდილისა და ფორმის დინამიკურ თამაშს. წარმავალი შთაბეჭდილებების დაჭერის ამ სურვილმა მოითხოვა მასალებისა და ტექნიკის არაორდინალური მიდგომა. მისი პროცესი მოიცავდა თიხისგან გიპსოს მოდელების შექმნას, შემდეგ კი მათ სხვადასხვა მასალაში გადაღებას, რის დროსაც ხშირად ჩანდა ყალიბის პროცესის კვალი – რაც იყო გაპრიალებული სრულყოფილების შეგნებული უარყოფა. მისმა ნამუშევრებმა ყურადღება მიიპყრო ისეთ გავლენიან ფიგურებზე, როგად ემილ ზოლა, რომელმაც დაინახა ინოვაციური სული მის ქანდაკებებში. მნიშვნელოვანი შეკვეთა ლუდვიგ მონდმა Ecce Puer-სთვის (1906) მოუწოდა – ეს არის დედისა და ბავშვის ამაღლებული გამოსახულება, რომელიც ემსახურება როსოს უნარს, გადასცეს ემოცია ნატიფი მოდელირებისა და ევოკაციური სინათლის მეშვეობით. მიუხედავად იმისა, რომ იგი იმპრესიონიზმით იყო მოტივირებული და თავდაპირველად აღფრთოვანებული იყო ऑगस्ट როდენით, მათ შორის ურთიერთობა მოგვიანებით დაძაბული გახდა ორიგინალობისა და სახელოვნებო მიმართულების შესახებ დავაგებად.
მემკვიდრეობა და ხანგრძლივი გავლენა
მედარდო როსოს გავლენა მის სიცოცხლეზე ბევრად მეტი იყო. იგი პოსტ-იმპრესიონიზმის განვითარების საკვანძო ფიგურად და თანამედროვე სკულპტურის პიონერად მიიჩნევა, რომელიც თავისი სპონტანურობით, ფსიქოლოგიური სიღრმითა და აღქმის ეფემერული ბუნებით გამოწვევდა ტრადიციულ პრაქტიკას. მისი ინოვაციური მიდგომა განსაკუთრებით ეხმაურა ფუტურისტებს, მათ შორის უმბერტო ბოჩჩონიას, რომელმაც როსოს ნამუშევრებში დაინახა მოძრაობისა და დინამიზმის საკუთარი კვლევის წინამორბედი. პირველი მსოფლიო ომის შემდეგ როსო იტალიაში დაბრუნდა, თუმცა ფრანგული მოქალაქეობის გამო ბიუროკრატიულ დაბრკოლებებს წააწყდა. მიუხედავად ამ სირთულეებისა, მან განაგრძო ხელოვნების შექმნა და აღიარება მოიპოვა მარგარიტა სარფატის მსგელ ფიგურებში. იგი 1928 წლის 31 მარტს, მილანში გარდაიცვალა, დატოვა ნაშრომები, რომლებიც დღესაც შთაგონების წყაროა ხელოვანთათვის და მაუჭლებს ატყვევებს. როსოს ქანდაკებები არ არის მხოლოდ ობიექტები; ისინი არის მოწვევა, რომ გამოვცადოთ სამყარო ახალი პრიზმით – პრიზმით, რომელიც იღებს წარმავალობას, ზეიმობს უსრულწესოობას და ცდილობს დაჭეროს წარმავალი მომენტების გაუგებარი სილამაზე.
მთავარი ნამუშევრები
ჰულიგანი (1882)
კოცნა ლამპის ქვეშ (1882)
პორტინაია (კონსიერჟი) (1883–84)
სხვისი ხორცი (1883–84)
Ecce Puer (1906)
Aetas Aurea
მუზეუმი
გამოფენილია შემდეგ ადგილზე: მილანი, იტალია
თანამედროვეობის მილანური სავანე
მილანში, ვილა რეალეს ელეგანტურ ჩრდილში მოთავსებული,
გალერეა დ'არტე მოდერნა
წარმოადგენს ღრმა დასტუას იტალიის დინამიკური მხატვრული მოგზაურობისა მე-18იდან მე-20 საუკუნემდე. ეს არ არის მხოლოდ შედევრთა საცავი, არამედ იმერსიული გამოცდილება — მდუმარე, ძლიერი დიალოგი ხელოვნებას, არქიტექტურასა და ისტორიას შორის, რომელიც වශЕВბუნს როგორც გამოცდილ კურატორებს, ასევე მათ, ვინც ახლა აღმოაჩენს ვიზუალური გამოხატულების ტრანსფორმაციულ ძალას. ამ ინსტიტუციის ისტორია არის თავდადება მოდერნულობის მზარდი სულისკვეთების დასაცავად, რომელიც დაიბადა არა მხოლოდ იტალიური ინოვაციების, არამედ უფრო ფართო ევროპული მხატ एग्जामपुरური ლანდშაფტის წარსადგენად. მისი დარბაზებში სეირნობა დროში მოგზაურობას ჰგავს, სადაც ვხედავთ სტილების ევოლუციას ჰაიესის რომანტიკული ჟინიდან ბოჩჩონის რადიკალურ ექსპერიმენტებამდე და მის მიღმა.
თავად კოლექცია არის ფრთხილად შერჩეული ტაპესტრი, რომელიც სხვადასხვა მხატვრული მიმდინარეობების ძაფებითაა ქსოვილი, სადაც ყოველი ტილო ადამიანური ემოციისა და სოციალური ცვლილებების ამბავს ჰყვება. რომანტიზმი თავის ხმას პოულობს
فرانჩესკო ჰაიესის
ემოციურ ნამუშევრებში, განსაკუთლებით კი მის შეძრწუნებად
ალესანდრო მანზონის პორტრეტში
, რომელიც იტალიური იდენტობის არსს ასხივებს. გალერეებში მოგზაურობისას ვხვდებით
ჯოვანი სეგანტინის
ლირიკულ პეიზაჟებს, რომელთა ნამუშევრები, როგორიცაა
ორ დედას (Le due madri)
და ეს სიცოცხლის ანგელოზი (L’angelo della vita)
, სივრცეს ბუნების დიდებულებისა და სოფლის ცხოვრების მშვიდი ღირსების ღრმა განცდით ავსებს. მე-20 საუკუნის დადგომა მოაქვს ინოვაციების აფეთქება, რომელიც გრძნობებს გამოწვევას უსვამს;
ვინსენტ ვან გოგის
გაბედული, რიტმული ფუნჯის მონასმები ნამუშევარში
ბრეტონელი ქალები და ბავშვები
, გვაჩვენებს მის ოსტატობას ფერებში, რაც მკვეთრ კონტრასტს ქმნის
პაბლო პიკასოს
გარდაუწყებ, ფრაგმენტულ კომპოზიციებთან, როგორიცაა
ქალის თავი (La Mediterranéenne)
. შესაძლოა, ყველაზე ძლიერად სწორედ
უმბერტო ბოჩჩონის
დედა (La madre)
წარმოადგენდეს იტალიური მოდერნიზმის ერთგულებას — ეს არის ფუტურიზმის საკვანძო ნამუშევარი, რომელიც განასახიერებს ამ მიმდინარეობის გატაცებას დინამიკითა და მანქანური ეპოქის ელექტროენერგიით.
არქიტექტურული ელეგანტურობა და კულტურული მემკვიდრეობა
ინსტიტუტის გარემო თავად არის შედევრი ისეთივე, როგორც მასში მოთავსებული ხელოვნება. ვილა რეალი, მე-18 საუკუნის ბოლოს აშენებული ნეოკლასიკური სასახლე, გამოსხივებს დახვეწილი ელეგანტურობის აურას, რომელიც იდეალურად ავსებს მის შიგნით არსებულ საგანძურს. მისი არქთექტურა, რომელიც ხასიათდება ჰარმონიული პროპორციებითა და დახვეწილი ხაზებით, ვიზუალური წინაპირობაა იმ მხატვრული აღმოჩენებისთვის, რომლებიც თითოეულ სტუმარს ელოდება. თავად კედლები, თითქოს, ჩურჩულებს მილანის კულტურული აღმავალი გზის შესახებ, რაც enriched არის ისეთი გავლენიანი ოჯახების გულუხვებული მემკვიდრეობით, როგორიცაა
ტრევეს, პონტი, გრასი და ვიმარა
— მეცნიერები და მფარველები, რომლებმაც აღიარეს ხელოვნების ძალა იდენტობის ფორმირებაში.
შიდა სივრცის მიღმა, სასახლეს გარს surrounding მშვიდი ბაღები გვთავაზობს სიმშვიდის თავშესაფარს, რაც ლამაზ, კონტემპლატიურ კონტრაპუნქტს წარმოადგენს ექსპონირებული თანამედროვე შედევრების ინტენსივობასთან. თავისი მრავალდამრავალი ისტორიის განმავლობაში, ეს ინსტიტუტი მუდმივად ასრულებდა კრიტიკული დიალოგის ცენტრის როლს, მასზე გამართვადი მნიშვნელოვანი გამოფენები კი აფართოებდა თანამედროვე კანონის საზღვრებს.
პიკასოსა და მატისსისებ
მსგავსი ოსტატებისადმი მიძღვნილი მნიშვნელოვანი რეტროსპექტივებმა განათესეს მათი სტილისტური ევოლუცია და განამტკიცეს მათი ადგილი ხელოვნების ისტორიაში, ამავდროულად ხელი შეუწყო გლობალურ მხატვრულ დიალოგს. მიუხედავად იმისა, რომ მე-20 საუკუნის კოლექციის ნაწილები სტრატეგიულად გადავიდა ისეთ ინსტიტუციებში, როგორიცაა Museo del Novecento, გალერეა დ'არტე მოდერნამ შეინარჩუნა თავისი როლი, როგორც vital link წარსულსა და აწმყოს შორის. იგი რჩება აუცილებელ დანიშნულების ადგილად კოლექციონერებისა და დიზაინერებისთვის, რომლებიც შთაგონებას ეძებენ; ის არის საზოგადოებრივი კულტურის маяკი და მილანის მარადიული ერთგულების დასტური ადამიანური შემოქმედებითობის სულის შენარჩუნებისადმი.
