Autorius
Gimė Maldenas, JAV
Gyvenimas, skirtas tapybos esmei
Frankas Stella, miręs 2024 m. grugdžio 4 d. negyvenęs vos 87 metų, buvo itin iškilminga amerikos meno veikėjas – neustruktus revoliucionierius, kurio septyniandaumetė kūryba iššūkiu įtvirtino įprastas tapybos, skulptūros ir architektūrinio dizaino koncepcijas. Gimęs 1936 m. Massachusetsas valstijoje Malden, pirmos kartos italo-amerikų šeimoje, Stella savo meninį kelią pradėjo nuo ankstyvo regėjimo į vaizdinį pasaulą per motinos peizažinius ir formavimo mokslą Phillips Academy Andover mokykloje, kur susidūrė su griežtomis Josef Alberso spalvų teorijomis bei Hanso Hofmanno išraiškos jėga. Šie įtakos, kartu su istorijos studijomis Princeton universitete ir dažnomis lankomaisiais išvykomis į Niujorko galerijas, padėjo pagrindus radikaliems posūkiams nuo tuo laikui vyravusio Abstraktinio ekspresionizmo. Stella nesiejo sudominti emociniu nerimu ar subjektyvia gestika, kuri apibrėžė tokius menininkus kaip Pollockas ar Kline; jis ieškojo kažko grynesnio, objektyvesnio – tapybos išvalymu iki jos pačios fundamentinių elementų.
Iliuzijos atmetimas: Minimalizmo kėlimas
Stellos pasirodymas meno scenoje vėliau devintykose XX amrio metų nebuvo nieko mažesnis kaip revoliucija. Jis garsiai paskelbė, kad „tapybos turėtų būti tik plokščia paviršiaus siena su jo ant nė ko daugiau“, ir ši deklaracija tapo augančios minimalizmo judėjimo manifestu. Ši filosofija ryškiausiai manifestavosi jo Juose paveiksluose (1958–1960) – serijoje, kurioje plėtrą surengė tiksliai išdėstytos, simetriškos juodos juostos, atskirtos nuo nudažytų audinio fragmentų. Darbai, tokie kaip Die Fahne Hoch! (1susidvejimo 1959 m.) – pavadinimas, kuris buvo tyčia provokuojantis ir nukreiptas į naci himną – nebuvo skirti politiniams sentimentams išreikšti, o labiau formos ir paviršiaus tyrinėjimui, iššūkiant žiūrovą suvokti paveikslą kaip savarankišnę objektą. Tyčinis šaltumas ir emocinio turinio atmetimas tuo metu buvo sukrėtęs, signaliuodamas apie galutinį atotrūkį Abstraktinio ekspresionizmo pabrėžiamai subjektyviai patirtį. Jis nebandė aprašyti kažko apie pasaulį; jis pristatė pasaulį – ar tiksliau, tapybą – tokią, kokia ji yra. Šis dėmesys į materialumą ir geometrinį tikslumą išsiplėtė į 1960-ųjų metų formos paveikslus, kuriuose Stella atsisakė tradicinio stačiaglaivio formato, rinkdamasis sudėtingus poligonus, dažnai pagamintus iš aliuminio ir vario dažų. Tai nebuvo tiesiog paveikslai; tai buvo skulptūriniai objektai, slėpiantys ribas tarp dvimensionalės ir tridimensionalės erdvės, dar labiau pabrėžiant meno kūrinio fizinę egzistenciją.
Ribų plėtimas: nuo Trintuko serijos iki Maksimalizmo
Septintasis dešimtmetis Stella kūrybai pažymėjo svarbių eksperimentų laikotarpį. Trintuko serija (1971) atskleidė platų išvagiojimą ir ryškias spalvas, išdėstytas kvadratinėmis ribomis, kurios sukurė dinamiškas kompozicijas, įkvėptas apskritų miestų, jį aplankiusių Artus Rogo Middle East regiono. Tuo pačiu metu Stella su entuziazmu priėmė grafikos meną, įsisavindamas tokias technikas kaip litografija, serigrafija ir etapas, kad sukurtų abstrakčius spaudinius, atspindinčius jo tapybos geometrinį kalbą. Jo veikla išsiplėtė ir už vaizdinio meno ribų; 1967 m. jis sukūrė scenografiją ir kostiumus Merce Cunninghamo šokio spektakliui Scramble, demonstruodamas gebėjimą bendradarbiauti skirtingose disciplinose. Retrospektyva Moderniojo meno muzeje (MoMA) 1970 m. – neįtikėtinas pasiekimas taip jaunam menininkui – užtvirtino jo statusą kaip šiuolaikinio meno lyderio. Tačiau Stella nebuvo pasiryžęs sustoti laimėje. Jis pradėjo į savo darbus įtraukti reljefus, palaipsniui evoliucionuodamas link to, ką galima apibrėžti kaip „maksimalistę“ tapybą su skulptūrinėmis savybėmis, naudojant koliažo elementus ir aliuminio pagrindus.
Inovacijų palikimas
Vėlesniojo Stella karjeros stilius patyrė dramatišką transformaciją. Austeringa jo ankstyvųjų darbų geometrija ustūpo vietą energingoms kompozicijoms, pasižinčiančioms sulinkusiomis formomis, drąsiais spalvos akcentais ir regimai spontaniškais traukės potepamiais – tai buvo judėjimas link barokinės estetikos, kuris daugeliui buvo netikėtas, tačiau įrodė jo nekliudomą atsidavimą meninei paieškai. 1976 m. užsakymas projektui BMW Art Car parodė jo gebėjimą savo išskirtinę piešimo stilių pritaikyti neįprastam „audiniui“: 3.0 CSL lenktyniniam automobiliui. Visą savo gyvenimą Stella sulaukė daugybės apdovanojimų, įskaitant Nacionalinį meno medą 2009 m. ir Tarintinio skulptūros centro apdovanojimą už gyvenimo pasiekimus šiuolaikinėje skulptūroje 201usi m. Franko Stellos įtaka menhistėje yra neabejotina. Jis ne tik kūrė paveikslus; jis perdefino tai, ką paveikslas gali būti. Jo nuolatinis formos aiškumo siekis, iliuzionizmo atmetimas ir ribų plėtimo drąsa atvėrė kelią poklediui menininkų, užtvirtindami jo vietą kaip vieno svarbiausių ir įtakingiausių XX ir XXI amrių veikėjų. Jis palieka ne tik milžinišką kūrybos korpusą, bet ir intelektualinio griežtumo bei meninės drąsos palikimą, kuris taps įkvėpimu dar daugelį metų.
Muziejus
Parodoma vietoje San Francisco, Jungtinės Amerikos Valstijos
Modernizmo švyturys San Francisco širdy
San Francisco modernio meno muziejus (SFMOMA) yra gilus žmogaus išraiškos transformacinės galios įrodymas, tarnaujantis šviesliu švyturiu šiuolaikinio meno peizažui Amerikos Vakarų pakrantėje ir už jos ribų. Nuo savo įsilaužimo 1935 metais, kai muziejus pirmicialiai įsikūrė istoriniame Veterans Building pastate, jis buvo suformuotas iš radikalios ir pionieriškos vizijos: skirti visą instituciją tik augantiems, dažnai turbulentiškiems XX amžiaus menui judėjimams. Šis ambicingas dvasia, įsėta tokių ankstyvųjų globėjų kaip Albert M. Bender, sukūrė pagrindą, kuris galiausiai leido SFMOMA peržengti savo vietines šaknis ir tapti pasaulinio masto pripažinta inovacijų epicentrine vieta. Nuo pirmųjų savo brangiausių reginių, tokių kaip įtampą keliautį
Diego Rivera meistro kūrinį
The Flower Carrier
, muziejus demonstruoja nepriklausomą įsipareigojimą puoselėti naujas vizualines kalbas ir švęsti balsus, kurie perdefinuoja mūsų suvokimą apie realybę.
Klaidžiojant SFMOMA koridoriais, patiriama kvapą gąsdinanti architektūrinės erų dialogo prigimtį. Muziejaus fizinis buvimas SoMa rajone yra stulbinantis kontrastų ir evoliucijos tyrimas. Pradinė struktūra, kurios projektuotojas buvo žymus šveicarių architektas
Mario Botta
, pristato drąsią, terakotos spalvos fasadą, kuris suteikia institucijai tvirtumo ir svorio pojūtį. Tačiau ši etabluota forma įsivaikdo gražios, skystos pokalbių su 2auksinio 2016 metų plėtra, vadovaujamos Norvegijos įmonės
Snøhetta
. Šis modernus papildymas padvigubino galerijų plotą, pristatydamas aukštus, šviesos prisipildytus tūrius, kurie kviečia tyrinėti ir stebėtis. Viduje šešėlių ir natūralaus apšvietimo žaidimas sukuria eterinę atmosferą, kurią papildo nuostabus muziejaus gyvamasis sienos elementas – vienas didžiausių JAV – įtraukiantis organišką gyvybę į miesto kraštovaizdį.
Vizionieriškų šedevrų audinys
SFMOMA kolekcija yra kruopščiai sukurtas audinys, pasisidavęs daugiau nei 33 000 kūrinių, apimantį platų tapybos, skulptūros, fotografijos ir medių meno spektrą. Atместиems kolekcionieriams ar estetinės grožio mylėtojams muziejus siūlo neparengtą kelionę per mūsų laiko apibrėžiamus judėjimus. Abstraktinio ekspresionizmo turinys yra ypač gilus, leidžiantis lankytojams pasiklostyti ritminiuose, energinguose
Jackson Pollock
drobėse ir meditatyvose, spalvomis prisituptusiose
Mark Rothko
gilutėse. Šį mastą ir emocinį intensyvumą papildo pasaulinio lygio Pop Art atstatymas, praturtintas transformatyviomis darynomis iš Anderson kolekcijos. Čia ikoninė, žaisminga
Andy Warhol
ir
Roy Lichtenstein
vaizdinė kalba susitinka su monumentaliais, vaizdingais
Claes Oldenburg
skulptūrais, kurioje sukuriamas gyvybingas įtampa tarp aukštojo meno ir populiariosios kultūros.
Be XX amžiaus vidurio modernizmo gigantų, muziejus tarnauja kaip gyvybiškai svarbus novatoriškos fotografijos ir įvairių pasaulinių perspektyvų saugotojas.
Ansel Adams
objektyvas suteikia majestrišką langą į natūralų pasaulį, o nuolatinė
Doris ir Donald Fisher kolekcijos buvimas užtikrina, kad 21 amžiaus meno avangarda išlieka muziejaus misijos širdyje. Šis atsidavimas avant garde ypač akivaizdus ekspozicijų programoje, kuri dažnai plečia ribas to, ką muziejus gali būti. Būtų tai retrospektyvinės šventės ar šiuolaikinės provokacijos – pavyzdžiui, įtraukianti
KAWS
FAMILY
paroda – SFMOMA toliau skatina kritinį dialogą ir socialinį įsitraukimą, tapdama ne tik vietos, kurioje žiūrima į meną, bet ir gyvu, kvapąsiu kultūros evoliucijos katalizatoriumu.
