Autorius
Gimė Dunavant, JAV
Vidinis Vidurio Prospektas: Johno Steuarto Curry gyvenimas ir menas
John Steuart Curry – vardas, tapęs sinonimui amerikietiško regionizmo judėjimui – iš Kankaso širdies iškilo kaip vienas įtraigiausių XX amžiaus Amerikos vaizdo kronikierių. Gimęs 1897 metais kaimynėje Dunavante, jis savo gyvenimą glaudžiai supynė su ūkininkystės ritmais ir realybe. Nors jo tėvai pasižymėjo pasaulietiniu išmanumu – plačiai keliavo po Europą – galiausiai būtent Kankaso peizažas ir žmonės suformavo Curry meninę viziją. Šis auklėjimas nebuvo skvarbos, o veikiau unikali kaimo praktiškumo ir intelektualaus smalsumo sintezė; šeimos namuose puoselėjo senovės meistrų, tokių kaip Peter Paul Rubens ar Gustave Doré, reprodukcijos, kurios paskatino ankstyvą susidomėjimą dramatiška kompozicija ir išraiškinga forma. Nuo mažylystės Curry rodė natūralią talentą vaizduoti gyvūnus, o pirmąsias oficialias menas pamokas pradėjo lankyti apie dvylkatį metų – tai buvo lemiamas momentas, nustatantis kelią į šlovę pelnąsį paveikslų kūriją. Jo pradinės meninės paieškos buvo skatinamos šios aplinkos, kuri įsiግዳ į visą jo kūrybinį palikimą, puoselėdama gilią ryšį su žeme ir jos gyventojais.
Stiliaus kūrimas: nuo iliustracijos iki regionizmo
Curry oficialus meno išsilavinimas buvo kiek fragmentiškas: jis trumpai studijavo Kansas City Art Institute, vėliau – Chicago Art Institute, o po to – Pensilvanijos Genevos kolegijoje. Tačiau būtent jo laikotarpis dirbant iliustratoriu – nuo 1921 iki 1926 metų – tapo nespėtinu formavantuoju. Darbas tokio tipo leda, kaip Boys' Life, St. Nicholas ir The Saturday Evening Post, patobulino jo stebėjimo įgūdžius, gebėjimą pasakoti istorijas ir tiksliai užfiksuoti trumpalaikius akimirkas. Ši patirtis įdiegė discipliną ir aiškumą, kurie vėliau tapo jo paveikslų bruožais. Lemiamas lūžio taškas įvyko 1926 metais praleidus metus studijuojant Paryzuje. Pasineręs į Europos meistrų – Gustave Courbet, Honorė Daumier, Titiano ir Rubens – kūrybą, Curry išmokėjo spalvų, formų ir realizmo vaizdavimo technikas. Tačiau vietoj to, kad tiesiog imituotų šiuos menininkus, jis pradėjo sujungti jų pamokas su savo unikalia amerikietiška jautruga. Grįžęs į Jungtines Amerikos Valstijas, Curry sąmoningai atsisakė vyravančių abstrakcijos ir Europos modernizmo tendencijų, pasirinkdamas temas, kurios jam buvo artimiausios: Vidurio vakurės gyvenimą. Šis įsipareigojimas pažymėjo jo pilną prisijungimą amerikietiškam regionizmui – judėjimui, siekiamam švęsti kaimo Ameriką sparčiai vykstančių socialinių ir ekonominių pokyčių laikotarpiu.
Svarbiausi širdies žemės vaizdiniai
Curry paveikslai iškart atpažįstami dėl savo dinaminės energijos, dramatiškų kompozicijų ir nešaugiško Vidurio vakurės gyvenimo vaizdavimo. Skirtingai nei Grant Wood stilius, kuris buvo labiau statiškas ir tikslus, Curry savo plėslus prisipindulė judėjimo pojūčiu ir emociniu intensyvumu. Virpanti linija, drągi perspektyva ir išraiškingas teptuko traukimas perteikia gamtos jėgą ir jos gyventojų attinutį. Kankaso krikštas (1928) išlieka jo ikoniniu darbu – tai galingas lauko krikštybos vaizdas, fiksuojantis tiek dvasinę ugnį, tiek kaimo gyvenimo su kietu praktiškumu. Šio kūrinio sėkmė išštampė Curry nacionalį pripažinimą, padėdama jam tapti pagrindiniu amerikietiško regionizmo balsu. Tornado virš Kankaso (apie 1937 m.) yra dar vienas ryškus pavyzdys gebėjimui perteikti gryną emociją ir dramatišką įtampą; jis tarnauja kaip stiprus priminimas apie kaimo bendruomenių pažeidžiamumą susidūrus su gamtos katastrofomis. Galbūt pats ambicingiausias ir kontroversiškiausias jo darbas yra monumentalus muralų ciklas Tragiškas priešas (1938–40), užsakytas Kankaso valstijos kapitoliui. Šis platus Johno Browno kovos priešes vergiją vaizdas sukėlė didelių debatų dėl nešaugiško smurtinio vaizdavimo ir sudėtingos skelbiamai skiaustanti istorinės veiklos interpretacijos. Be šių garsių kūrinių, Curry taip pat vykdė svarbius muralų projektus federaliniams pastatams Vašingtone, dar tvirčindamas savo reputaciją kaip didžiojo amerikiečių meno meistro.
Palikimas ir ilgalaikis įtampis
John Steuarto Curry meninis palikimas išsiplėtė daug toliau nei jo sukurti plėslai. Kaip vienas „Didžiosios trys“ amerikietiško regionizmo atstovų – kartu su Thomas Hart Benton ir Grant Wood – jis playing lemingą vaidmenį formuojant išskirtinį amerikietišką vizualinį identitetą nacionalinio savivizdingumo laikotarpiu. Jo kūryba pasiūlė galingą priešpriešą Europos modernizmui, švenčiant darbui, bendruomenei ir ryšiui su žeme vertybes. Nors jo paveikslai dažnai vaizduoja idiliškas scenas, juose taip pat slypi subtili visuomenės problemų kritika – gamtos katastrofų pasekmės, sudėtinga Amerika istorija ir iššūkiai, su which susiduria kaimo bendruomenės. Nepaisant kritiką, su which jis susidūrė savo gyvenime dėl pastebėtų techninių trūkumų ir kontroversiškų temų, Curry šiandien yra plačiai pripažintas kaip svarbi 20 amžiaus amerikietiško meno figūra. Jo ankstyva mirtis nuo širdies smūgio 1946 metais, būdos 48 metų, nutraukė jautrią karjerą, tačiau jo paveikslai ir šiandien suintriguoja auditoriją, teikdami vertingų įžvalgų apie žmonių gyvenimą ir patirtis Vidurio vakurėse esantmenį lūžio laiką. Nuo 1936 metų iki mirties jis dirbo kaip rezidentas Viskonsino–Madisono universitete, skatindamas meno talentą kaimo bendruomenėse. Jo indėlis taip pat buvo pripažintas jam paskirtu nariškumo (1937) ir pilno akademiko (1943) statuso Nacionalinėje dizaino akademijoje – tai yra įrodymas apie jo neblėstantį poveikį amerikietiškaitei menui. Curry kūryba išlieka galingu priminimu apie amerikietiško širdies žemės grožį, atsparumą ir sudėtingumą.
Muziejus
Parodoma Niujorkas, Jungtinės Amerikos Valstijos
Amerikos dvasios šventovė
Įžengti į Whitney Amerikos meno muziejų – tai žingsnis į gyvą šalies sielos kroniką. Įsikyręs gyvybingame Manhattano Meatpacking District centre, muziejus yra kur kas daugiau nei tik drovelių ir akmens saugykla; jis yra gilus įkvėpinimo ir Gertrūdos Vanderbilt Whitney vizijos įtvirtimas, kuri tikėjo, kad amerikietiška kūrybiškumas nusipelno savo sulaukiamybės, laisvos nuo sunkių Europos tradicijų šešėlių. Nuo savo įsilankstymo 1930 metais ši institucija veikia kaip gyvybinis amerikietiškos identybės pulsas, įtrapindama Ashcan mokyklos drąsą, vaizdingą Edward Hopper urbanistinių peizažų vienatvę bei elektrinę, ribas plečiantį šiuolaikinių judėjimų energiją. Nuolat ieškantiems vertės kolekcionieriams ar estetinės grožio mylėtojams Whitney siūlo neparedis kelionę per vizualios kalbos evoliuciją, kuri yra unikali ir nebijanti savo amerikietiškumo.
Fizinis muziejaus egzistavimas yra tiek pat meno kūrinys, kaip ir šedevrai, kurie jame saugomi. Perkėsdamas savo istorinį brutalistinį namą Madison Avenue į dabartinį architektūrinį stebinį Gansevoort gatvėje, Whitney dabar įsikūrė legendarinio Renzo Piano suprojektuotoje konstrukcijoje. Šis erdvės skaidrumo meistriškumas pasižymi kvapą užimanciačiu šviesos ir kraštovaizdžio integracijos gebėjimu. Pastato dizainas prioritetą teikia nepriekaištingam ryšiui tarp vidinių galerijų ir triukšmingo miesto, pasinaudojant plačiomis terasomis, iš which atsiveria nuostabūs Hudson upės vaizdai. Interjero dizaineriams ir architektams muziejus tarnauja kaip meistriškumo pamoka apie tai, kaip šviesa gali suteikti gyvybės tekstūrai ir pigmentui; galerijos yra pamirkytos minkšta, išskleidusia šviesa, leidžiančia drąsiai Georgia O’Keeffe abstrakcijoms ar provokuojančiam Andy Warhol Pop Art'ui skambėti jų tikrąja, intended intensyvumu.
Tai, kas tikrai išskiria Whitney, yra jo vaidmuo kaip kultūrinis barometras, ypač išryškintinas per prestižinę „Whitney Biennial“ parodą. Nuo 1932 metų ši periodinė ekspozicija veikia kaip pranašystės langas į ateitį, pristatydama atsirandančius talentus ir įkindanti intensyvias debatas, kurios apibrėžia šiuolaikinį laikotarpį. Pati kolekcija – stulbinamas daugiau nei 21 000 darbų visumas – nėra statiška archyvo dalis, o kvapuojantis organizmas. Ji sklandžiai pereina nuo griežto 20-ojo amžiaus pradžios realizmo iki sudėtingų, multimedijos instaliacijų šiandienos. Ši inovacijų tęstinumas daro Whitney būtina kryptimi tiems, kurie siekia suprasti modernios minties trajektoriją. Naršydami po tylią nuolatinės galerijų kontemplacija ar pajundėdami naujos biennialės didelį energijos sūkurį, lankytojai tampa dalimi nuolatinės diskusijos apie tai, ką reiškia kurti ir egzistuoti visame pasikeičiančiame amerikietiškame peizaže.
