Hurricane

Autorius

Raineras Fetingo

Gimė Vilhelmshaafas, Vokietija

Berlino energija: Rainerio Fettingo gyvenimas ir menas

Raineris Fettingas, gimęs 1949 m. Vokijos Vilhelmshaafene, yra viena esminių figūriškos tapybos atgimimo figūrų XX amžiaus pabaigoje. Jo kūrybinė kelionė prasidėjo ne tradicinėse men virtuose, o praktinėje mokle, dirbant staliaus ir scenografijos meistro padėjėju „Landesbühne Niedersachsen“ teatras. Šis ankstyvas susidavimas su amatu ir teatralumu jam įdiegė pagrindinį formos, erdvės ir naratyvo suvokimą – elementus, kurie vėliau tapo jo meninės išraiškos žyminimo ženklais. Persikeliant į Berliną 70-ųjų metais, Fettingas įstojo į „Hochschule der Künste“ (Lauksmingųjų menų akademiją), studijuodamas profesorui Hansui Jaenisch. Tačiau būtent už akademijos sienų, augančiojo Vakarų Berlino kontrkultūros sraute, pradėjo kristalizėti jo tikroji meninė tapatybas.

„Junge Wilde“ ir konvencijų atmetimas

1977 m. Fettingas kartu su Helmutu Middendorfu, Berndu Zimmeriu, Salomé, Anne Jud ir Bertholdu Schepersu braižė pagrindus „Galerie am Moritzplatz“. Ši galerija tapo epicentru grupės jauniems menininkams, kurie netrukus sulaukė pavadinimo „Junge Wilde“ (Jaūsie wildai) arba „Neue Wilde“ (Naujieji wildai). Šis judėjimas buvo tyčinis maištas prieš prevailingias menines tendencijas – minimalizmą ir koncepcinį meną, kurie tuo metu dominavo Vokijos meno aplinkoje. „Junge Wilde“ pasisveikino su nekontroliuojama išraiška, teikdami pirmenybę drąsioms spalvoms, grynai emocijai ir grįžtančiai figūriškumui – tai buvo tiesioginis iššūkis jų pirmtakų intelektualiam asketizmui. Fettingo ankstyvasis kūrybos etapas, giliai į šaknis įsišaknijęs Berlyno aplinkoje, įtrapė miesto fragmentuotą energiją, jo skustingumą ir akivaizdų skirties pojūtį, būdingą Šaltojo karo erai. Tai nebuvo polirčiuoti vaizdiniai; tai buvo visceralūs atsakymai į miesto peizažą, pilną įtampos ir galimybių.

Stiliaus evoliucija: nuo miesto peizažų iki žmogaus patirties

Per visą savo karjerą Fettingo meninis stilius patyrė reikšmingą evoliuciją. Pradinėje stadijoje jo paveikslai susikoncentruojo į Berlyno miesto peizažus – grubius, kampotus pastatų ir gatvių vaizdus, atspindinčius po karo Vokijos atstatymą ir politinį klimatą. Jis taip pat tyrinėjo portretą ir figūrines kompozicijas, dažnai vaizduodamas asmenis šioje urbanistinėje aplinkoje. Laikui bėgant, jo darbas atsisvaikė nuo griežtai reprezentatyvių formų link dinamiškesnio ir išraišmingesnio stiliaus. Stiprios linijos, ryškios spalvos ir vis labiau laisvas teptuko traukimas tapo jo paveikslų apibrėžtinėmis savybėmis. Jis pradėjo eksperimentuoti su įvairiais medžiagomis, pastebimai į savo plėtnias įtraukdamas nuskalstytą medį, taip suteikdamas kompozicijoms tekstūros ir organinio nykimo pojūtį. Tačiau visos šios evoliucijos metu Fettingas nuosekliai tyrinėjo miesto gyvenimo, žmogaus santykių ir asmeninių patirčių temas – temas, kurios giliai rezonavo su jo kartos nerimu ir ambicijomis. Jo kūryba nėra tik apie tai, ką jis vaizduoja, bet ir apie tai, kaip jis tai jaučia; gryna emocionalumas persmelkia kiekvieną traukį.

Tarptautinis pripažinimas ir ilgalaikis palikimas

Fettingo talentas greitai pelnė tarptautinį dėmesį. 1978 m. gauta DAAD stipendija suteikė jam galimybę gyventi ir dirbti Niujorke, taip padarydama jo meną žinomą platesnei auditorijai ir paveikdama jo meninę plėtrą. Jis dalyvavo įtvirtinose parodoje, tokiose kaip „A New Spirit in Painting“ Londono Karališkojoje meno akademijoje (1amas) ir „Zeitgeist“ Berlyno „Martin-Gropius-Bau“ (1982 m.), taip užtvirtindamas savo poziciją pasaulinėje meno erdvėje. Nuo tada jo darbai buvo eksponuojami didžiuosiuose muzejuose, įskaitant MoMA ir Gugenhimo muziejų, kas liudija jų neblėstančią svarbę. Be tapybos, Fettingas taip pat vykdė žinomus užsakymus – kūrė skulptūras svarbioms vietoms, pavyzdžiui, Willy Brandt House Berlyne, bei portretus įtakingų asmenų, tokių kaip Henri Nannen ir Helmut Schmidt. Įkvėstas Van Goggo ir vokiečių eksprecionistų, Fettingas suformavo unikalų meninį balsą, kuris 1980-aisiais vėl atgyjinėjo figūrinę tapybą Vokijoje. Jis ir toliau gyvena bei dirba tarp Berlyno ir Niujorko, išliekdamas aktyvia ir įtakinga šiuolaikinio meno figūra, o jo palikimas yra užtikrintas kaip pagrindinio inovatoriaus, kuris iššūkį metė konvencijoms ir įamžino kartos dvasią. Jo paveikslai nėra tiesiog vaizdai; tai langai į pasaulį, jaučiamą su intensyvia aistra ir nekliudoma sąžiningumu.

Muziejus

Dortmunder U

Parodoma Dortmundas, Vokietija

Transformacijos bokštas: Dortmundo meninio renesanso siela

Pramonės kraštlandžio Vokietijos šimteryje, kur kadaise sunkiųjų mašinų aidiniai diktavo gyvenimo ritmą, kyla aukštas atsparumo ir atgimimo paminklas.

Dortmunder U

yra kur kas daugiau nei tiesiog architektūrinis lankas; tai vertikalaus metamorfozės pasakojimas. Pradinai, 1926–1henga 1927 metais, pastatytas kaip „Union“ alaus darykla, šis betoninio giganto pulsavo Dortmundo pramoninio meistriškumo energija Weimar Respublikos laikais. Tačiau ekonominių pokyčių bangoms nukrentus Ruhr regionui, 1994 metais darykla tylėjo, palikdama tik tuščią savo buvusios didybės apvalkalą. Vis dėlto, dėka gilaus kultūros išsaugojimo požiūrio, ši konstrukcija buvo išgelbėta nuo srovės ir tapo 2010 metų Europos kultūros sostinės švyturiu. Šiandien jo prefabikuoti betoniniai paneliai – kuriuos suprojektavo Jürgenas Reimannas ir Raineris Schürmannas – tarnauja kaip ryški kontrastacija tarp šiurkščios pramoninės praeities ir šviesios, kūrybiškos ateities.

Įžengiant į „Dortmunder U“ tarsi įlieti į gyvą dialogą tarp istorijos ir avangardas. Muziejaus kolekcija tarnauja kaip gilios mintys ir provokacijos prieglobė, ypač išryškintai per drąsų įsipareigojimą saugoti kūrinius, kurie kadaise buvo laikomi

„degeneratyviais“

nacistinio režimo. Šis neigimo dvasia įneša gyvybę į nuostabų vokiškojo ekspresionizmo ansamblį. Ziyėjai pasineria į

Die Brücke

ir

Der Blaue Reiter

psichologinius peizažus, kur Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller ir Emil Nolde drobės vibruoja nuo grynos emocijos ir nekontroliuojamos spalvos. Šie darbai ne tiesiog kabė ant sienų; jie susiduria su žiūrėtoju dėl nerimo, dvasinių troškimų ir vartotojiškos tiesos pasaulyje, kuris nuolat kinta, todėl šis muziejus yra būtina pilgrimacija tiems, kurie ieško meno, drąsiai paliučiant žmogaus būklę.

Radikalios eksperimentacijos ir modernumo susilankymas

„Dortmunder U“ naratyvas išsipalgo daug toli už ekspresionizmo ribų, apimdamas radikalią 20 ir 21 amžiaus eksperimentinę kūrybą. Kolekcionieriams bei neįprasto meno mylintiesiems

Fluxus

judėjimo buvimas siūlo atsitiktumų ir improvizacijos žaidimo aikštelę. Šių sienų viduje monumentalūs Joseph Beuys skulptūrų darbai meta iššūkį pačiam meno apibrėžimui, o Nam June Paik pirmaurojo vaizdo įrašų instaliacijos per technologijų prizmę sutrikdo mūsų suvokimą apie realybę. Šis atsidavimas eksperimentui dar labiau praturtintas įspūdingu meistrų sąrašu: čia galima sekti dvasinę, spalvomis prisituptusią Alexej von Jawlensky evoliuciją, stebėti neoblatuojamus karinio karo laikų portretus iš Otto Dix arba pasiklaidyti architektūrinėse Lyonel Feininger fantazijose. Kolekcija į šį audinį įsipina net ir grafinis Picasso genialumas bei Dalí surrealistinės sapnaz.

Tai, kas tikrai išskiria „Dortmunder U“, yra jo vaidmuo kaip gyva, kvapuojanti kūrybiškos ekosistema, o ne statiška praeities saugykla. Tai erdvė, kurioje susitinka menas ir mokslas, ir kur ribos tarp žiūrėtojo bei kūrėjo yra tyčia išlygintos. Per tokias iniciatyvas kaip

Jaunimo meno klubas

ir pusmečio intervalu keičiamas parodas, kurios du kartus per metus į galerijas įneša naują gyvybę, muziejus skatina nuolatinės evoliucijos aplinką. Interjero dizaineriams, ieškantiems įkvėpimo drągiose tekstūrose, ar meno entuziastams, ieškantiems gylio, „Dortmunder U“ suteikia gilią patirtį: tai vieta, kur pramoniniai istorijos įrankiai buvo pakeičti aukštas modernios inovacijos katedra, įrodanti, kad net iš nuosmukio pelenų grožis gali žydėti amžinai.