Дженифер Лош Бартлет е американска художница, прочута със своите картини и графики, които съчетават системната естетика на концептуалното изкуство с живописния подход на неоекспресионизма. Много от нейните произведения са изпълнени върху малки, квадратни, емайлирани стоманени плочи, които се подреждат в мрежести формати, за да създадат изключително мащабни творби.
Бартлет е родена като Дженифер Лош през 1941 г. в Лонг Бич, Калифорния, като едно от четири деца. Баща ѝ е притежавал строителска компания, а майка ѝ е била модна илюстратор, която се оттегля от професията, за да отгледа децата си. Тя израства в предградията на Лонг Бич, достатъчно близо до океана, че развива дълбока привързаност към водата – тема, която се появява често в зрелия ѝ период. Тя завършва колеж „Милс“ в Окланд, Калифорния, с бакалавърска степен през 1963 г., след което се премества в Ню Хейвън, за да учи в Йейлската школа по изкуство и архитектура – време, когато минимализмът е доминиращият стил. Там тя учи от велики имена като Йозеф Алберс, Джак Творков, Джим Дайн и Ричард Сера, получавайки своята магистърска степен през 1965 г.
Бартлет описва преживяването на обучението в Йейл като най-широкото ѝ влияние: „стъпих в живота си“. В интервю от 2005 г. със скулптора Елизабет Мюррей (приятелка от дните в колеж „Милс“), тя споделя списък с неща, които са заемали мислите ѝ като първокурсник по изкуство:
Сред ранните влияния на Бартлет са художниците Аршиле Горки, чието рисуване е възхищавало, Пиет Мондриан, заради усещането за покой в неговите творби, и Сол Леви, заради неговата концептуална систематика.
След като се омъжва за студента по медицина Ед Бартлет през 1964 г., тя пътува между района Сохо в Ню Йорк и Ню Хейвън, където преподава в Университета на Конектикът. След развода си през 1972 г., Бартлет се премества постоянно в Ню Йорк и започва да преподава в School of Visual Arts. През 1983 г. тя се омъжва за немския актьор Матию Карие, с когото има дъщеря Алис; те се разводят в началото на 1990-те години.
Бартлет е най-известна със своите картини и графики, в които познати сюжети — от къщи и градини до океани и небеса — са изпълнени в стил, съчетаващ елементи на репродуктивното и абстрактното изкуство; всъщност тя коментира, че не приема разлика между фигуративно и абстрактно изкуство. Тя често работи със серийни форми или създава полиптици и често разработва системи от правила, които ръководят вариациите в дадена група творби, изисквайки от нас да се фокусираме върху „възприятието, върху процеса, върху ефекта от променящата се перспектива — и върху скоковете, които се случват в умовете ни, колкото и рационални да мислим, че сме“. В края на 60-те години, под влиянието на творчеството на Джон Кейдж, тя започва да въвежда елементи на случайност в своите произведения.
Нейните реалистични творби предпочитат ежедневни теми, като скромни къщи. Инсталациите ѝ често се състоят от множество платна, както и от триизмерни обекти. „Къща с отворена врата“ от 1988 г., която е в колекцията на Музея на изкуството в Хонолулу, се състои от диптих с маслена боя върху платно и същата къща, изградена от дърво. Далласският музей на изкуството, Музеят на изкуството в Хонолулу, Музеят на изкуствата на окръг Лос Анджелис, Метрополитънският музей на изкуството, Музеят на изкуствата в Хюстън, Музеят на модерното изкуство (Ню Йорк), Филаделфийският музей на изкуствата, Сан Франциско Музеят на модерното изкуство, Тейт Модерн и Музеят на американското изкуство Уитни (Ню Йорк) са сред публичните колекции, които притежават творби на Дженифер Бартлет.
Повечето критици виждат творчеството на Бартлет като изобретателно, енергично, широкообхватно и амбициозно, и тя е наричана едно от двамата най-добри художници на поколението постминализъм. Един автор отбелязва, че централният парадокс в нейната работа е, че Барттелет е взела контролираната, рационалистична мрежа, предпочитана от концептуалните артисти, и я е използвала, за да освободи завладяващ поток от образи, които имат много общо с неоекспресионистичната работа от 80-те години и дължат дълг както на импресионизма. Някои критици намират творчеството ѝ за повърхностно, твърде фокусирано върху повърхността и отслабено от неговия еклектизъм. Тя е имала няколко ретроспективи и изложби, първата през 1985 г. в Бруклинския музей (Ню Йорк), а по-скорошни — през 2011 г. в Музея на модерното изкуство (Ню Йорк) и през 2014 г. в Музея на изкуството Париш (Ню Йорк).
В ранните си години Бартлет е създавала редица триизмерни творби, които е подлагала на екстремни условия като замразяване и разбиване. Тя също така осъзнава, че иска нещо, върху което да рисува, което да бъде изтриваещо се, но с мрежа, подобна на графиката, която тя и много други концептуални артисти са използвали по това време. Тя е създала това, което днес е един от нейните емблематични материали: стоманени плочи с размер един фут, с бяла емайлирана повърхност, върху която е напечатана мрежа от четвърт инч. Те са произвеждани в големи количества, а по-късно тя работи и с други размери.
С първото си широко известно произведение, Rhapsody, Бартлет преоткри формата на мурал за концептуалното изкуство. Rhapsody е картина, изпълнена върху 987 стоманени плочи с емайлирано покритие, подредени в мрежа — 7 плочи височина и приблизително 142 ширина, разпростираща се върху множество стени. Тематиката се състои от вариации на това, което Бартлет е смятала за основните елементи на изкуството: четири универсални мотива (къща, дърво, океан, планина), геометрични форми (линия, кръг, триъгълник, квадрат) и цвят (25 нюанса). Седемте секции са озаглавени „въведение“, „планина“, „линия“, „къща“, „дърво“, „форма“ и „океан“.

more...