Atta Kwami

Frühes Leben, Familie und Ausbildung

Atta Kwami wurde 1956 als George Atta Kwami in Accra, Ghana, geboren. Er wuchs in einem Haushalt auf, in dem kreativer Ausdruck eine tägliche Präsenz war. Sein Vater, Robert Kwami, war als Musiklehrer tätig, während seine Mutter, Grace Kwami, eine bedeutende ghanaische zeitgenössische Künstlerin der ersten Generation war. Dieses Umfeld des Lehrens und des künstlerischen Schaffens prägte seine frühen Jahre in Accra maßgeblich.

Seine formale Ausbildung und seine spätere akademische Laufbahn waren eng mit der Kwame Nkrumah University of Science and Technology (KNUST) in Kumasi, Ghana, verbunden. Einen Großteil seines Berufslebens verbrachte er in den Hallen dieser Institution, sowohl als Student als auch als Dozent. Seine Studien und Lehrtätigkeiten führten ihn zudem in das Vereinigte Königreich, wodurch er eine Brücke zwischen den akademischen Räumen von Kumasi und jenen im Ausland schlug.

Technik und künstlerischer Stil

Seine frühen Arbeiten folgten dem Pfad des Abstrakten Expressionismus und bewegten sich mit der unbändigen Energie der Action Painter. In jenen Jahren griff er nach der unmittelbaren Umgebung, indem er Pfannen und anderen Schutt direkt in die Farbe einarbeitete. Dieser experimentelle Ansatz brach radikal mit den repräsentativen und figurativen Ausdrucksformen, die in der damaligen lokalen Kunstszene üblich waren. Mit der Reifung seines künstlerischen Schaffens wandelte sich dieser rohe Impuls hin zum Geometrischen Lyrischen Abstraktionismus. Er begann, mit locker konstruierten Gitternetzen und einer Palette aus kräftigen, resonanten Farben zu arbeiten, die förmlich auf der Oberfläche zu vibrieren scheinen.

Die Kompositionen beruhen auf einer Improvisation von Form und Farbe. Er suchte nach einer ganz besonderen Art des Gleichgewichts, einem dynamischen Äquilibristik, in dem Struktur und Spiellichkeit koexistieren. Seine Werke vermeiden es, die Vielfalt in einer einzigen Uniformität zusammenfallen zu lassen; stattdessen bewahren die Schichten viele verschiedene Elemente gleichzeitig. Diese Muster schöpfen ihre Kraft oft aus der visuellen Sprache der ghanaischen Architektur und den streifengewebten Texturen afrikanischer Textilien, insbesondere den Kente-, Ewe- und Asante-Webereien. Häufig nutzte er Holz als Trägermaterial für seine Außenkonstruktionen und schuf so dreidimensionale Werke, die in einen tiefen Dialog mit der Landschaft treten.

Bedeutende Werke und Aufträge

Seine künstlerische Praxis überschritt oft die Grenzen der flachen Leinwand und suchte den Dialog mit dem physischen Raum der Landschaft. Bekannt wurde er vor allem durch seine Kioske und Bogenskulpturen, die als erweiterte, dreidimensionale Gemälde fungierten. In diesen Arbeiten nutzte er häufig Holz, ein Material, das er für seine Außenkonstruktionen bevorzugte. Ein herausragendes Beispiel für dieses Schaffen ist das Werk Lanier Place Goddess II.

Farbe und Form in seinen Gemälden ließen sich oft von den Mustern der ghanaischen Architektur und den Streifenwebereien der Ewe und Asante inspirieren. In Sika Futuru (Goldstaub) spielte er mit Assoziationen von Wertigkeit und Leuchtkraft. Sein Werk Red, Gold and Green hingegen nutzte Farben, die tief in der ghanaischen und panafrikanischen kulturellen Identität verwurzelt sind. Diese Arbeiten stützten sich auf eine Palette, die gleichermaßen expressiv, strukturell oder symbolisch wirken konnte.

Sein letztes großes öffentliches Projekt war ein Wandgemälde mit dem Titel DzidzƆ kple amenuveve (Freude und Gnade), entstanden in den Jahren 2021-22. Dieses Werk wurde auf Holz gemalt, demselben Material, das er auch für seine Skulpturen im Freien verwendete. Das Wandbild basierte auf einem Gemälde, an dem er kurz vor seinem Tod in seinem Atelier arbeitete. Es wurde im Serpentine North Garden installiert, wobei die Farben so gewählt waren, dass sie in einen harmonischen Dialog mit dem umgebenden Blattwerk und dem Himmel treten sollten.

Auszeichnungen, Stipendien und Residenzen

Seine Präsenz in akademischen und institutionellen Räumen war durch mehrere bedeutende Berufungen geprägt. Im Jahr 2008 hielt er den Titel des 1st Thoyer Distinguished Visiting Scholar an der New York University. Darauf folgte eine Zeit am National Museum of African Art der Smithsonian Institution in Washington, DC, wo er von März bis Mai 2010 das Philip L. Ravenhill Fellowship innehatte. Seine künstlerische Laufbahn führte ihn zudem an die Graduate School of Art & Design der University of Michigan, wo er im Januar 2011 als Artist-in-Residence tätig war.

Das Jahr 2011 brachte durch verschiedene Stipendien und Förderungen eine weitere Phase der künstlerischen Bewegung mit sich. Er wurde mit dem Janet L. Stanley Travel Award ausgezeichnet, um am fünfzehnten Triennial Symposium on African Art teilzunehmen. Im selben Jahr nahm er das Howard Kestenbaum/Vijay Paramsothy International Fellowship an der Haystack Mountain School of Crafts in Maine, USA, in Anspruch. Diese Studien- und Residenzphasen ermöglichten ihm eine fortwährende Auseinandersetzung mit unterschiedlichsten Umgebungen und Materialien.

Im Jahr 2021 wurde er als Preisträger des Maria Lassnig Prize geehrt, einer Auszeichnung, die sowohl von der Maria Lassnig Foundation in Wien als auch von den Serpentine Galleries im Vereinigten Königreich verliehen wird. Diese Anerkennung erreichte ihn im letzten Lebensjahr seines Künstlers und markierte einen bedeutenden Moment in seinem professionellen Werdegang, kurz vor seinem Ableben im Vereinigten Königreich.