Axel Bentzen

Die frühen Jahre und die Nationalgalerie

Axel Bentzen verbrachte seine Kindheit in den Hallen der Nationalgalerie von Dänemark. Dort, in der Gegenwart der alten Meister, begann er, deren Werke zu kopieren. Diese frühe Gewohnheit, Leinwände ganz genau zu betrachten, prägte die Art und Weise, wie er sich später seinen eigenen Motiven näherte. Er wuchs mit einer Vertrautheit für Museen und Ausstellungen auf, die zum Fundament seines künstlerischen Schaffens wurde.

Bis 1922 begann er, seine eigenen Arbeiten in offiziellen Ausstellungen zu präsentieren. Seine frühen Gemälde tendierten zum Naturalismus, obwohl sein Blick bereits nach neuen Sichtweisen suchte. Die Farben dieser ersten Stücke waren oft gedämpft und ließen die Intensität vermissen, die sein späteres Werk auszeichnete. Er bewegte sich in der Kunstwelt mit einem stillen Fokus auf Form und Farbe.

Ein Wandel in Farbe und Form

Um 1920 vollzog sich ein Wandel in der Art und Weise, wie er die Farbe auf die Leinwand auftrug. Seine Palette wurde gesättigter, wobei er kontrastierende Töne und breite Impasto-Striche nutzte. Er begann, eine moderne Vereinfachung der Form anzunehmen, inspiriert von der Art, wie Matisse Schwarz als Tonfarbe einsetzte oder wie Giersing Landschaften behandelte. In Werken wie Ägyptische Frau auf einem Balkon lässt sich dieser Übergang hin zu einem impressionistischeren Einfluss erkennen.

Sein Werk fand oft ein Gleichgewicht zwischen der Verbundenheit zur Natur und dem Experimentieren mit modernen Strömungen. Er erkundete Elemente des Kubismus und Futurismus, insbesondere in der Strukturierung seiner Kompositionen. In Junge Italienerin auf einem Stuhl erzeugt die Verwendung einer rhythmischen Zickzack-Form und die überraschende Platzierung der Figur ein Gefühl von räumlicher Klarheit. Gegen Ende der 1920er Jahre wurde sein Stil noch straffer, wobei große Farbflächen so aufgetragen wurden, dass sie fast wie gemauert wirkten.

Motive der dänischen Landschaft und Stadt

Bentzens Augen ruhten oft auf den vertrauten Anblicken Kopenhagens und des umliegenden Landes. Er malte Parks, Straßen und Bäume und fing die Bewegung innerhalb urbaner Umgebungen ein. Ein wiederkehrendes Thema in seinem Werk ist der Ausblick aus seiner Wohnung in Valby. Er nutzte den Fensterrahmen als strukturelles Element, um das Auge vom Innenraum nach draußen zu führen. Dies ermöglichte es ihm, mit dem Licht von Sonnenflecken sowie den intensiven Blau- und Gelbtönen von Topfpflanzen zu spielen.

Sein Spektrum an Motiven umfasste:

• Landschaften und Parks mit Straßen und Bäumen
• Urbane Umgebungen und Kopenhagener Stadtszenen
• Porträts und Figurenbildnisse, wie Der Genesende und Jolanda
• Innenräume und Ausblicke aus seiner Wohnung in Valby

Einige seiner Gemälde, insbesondere jene, die nach einer Zeit schwerer Krankheit entstanden – wie Hospitalshaven oder Der Träumer –, tragen eine gewisse nervöse Sensibilität in sich. Selbst in seinen reiferen expressionistischen Werken, etwa seinen Darstellungen der Kopenhagener Parks, findet sich eine präzise Platzierung der Figuren und tiefe blaue Schatten, die die Szenen unmittelbar präsent erscheinen lassen.