Dan Van Severen

Die Geometrie der Stille

Geboren 1927 in Lokeren, Belgien, führte Dan Van Severen ein Leben, das von dem Streben nach einer wesentlichen, auf das Wesentliche reduzierten Wahrheit geprägt war. Sein künstlerischer Weg wurde durch eine fundierte Ausbildung am Saint Luke Institut in Gent und später an der National Higher Institute for the Fine Arts in Antwerpen geformenschaft. Er suchte nicht danach, den Betrachter mit Überfluss zu überwältigen; stattdessen bewegte er sich hin zu einer radikalen Einfachheit. Als Gründungsmitglied der G.58-Hessenhuis Gruppe in Antwerpen half er dabei, einen Raum zu schaffen, in dem formale Experimente Wurzeln schlagen konnten. Sein Werk fungierte oft als Schnittpunkt zweier gegensätzlicher Kräfte: eine tiefe, romantische Sehnsucht nach dem Universellen und eine disziplinierte, asketische Hingabe an die Form.

Die Entwicklung seiner Technik war durch ein bewusstes Abwerfen von Ballast gekennzeichnet. Während seine frühen Jahre noch von der Ölmalerei geprägt waren, wandte er sich bis 1969 von diesem Medium ab, um dessen materielle Konsequenzen zu entfliehen. Stattdessen griff er auf ökonomischere Mittel zurück und nutzte Tempera, Tusche, Kohle und Fettstifte. Dieser Wandel ermöglichte es ihm, sich auf ein reduziertes Alphabet der Formen zu konzentrieren – die Linie, das Quadrat, den Kreis, das Kreuz und die Raute. Diese Motive waren keine bloßen Dekorationen, sondern Werkzeuge für eine Untersuchung des Verhältnisses zwischen Vordergrund und Hintergrund oder Papier und Tinte.

Die Suche nach der absoluten Form

Van Severens Kompositionen zeichneten sich durch eine tiefe formale Nüchternheit aus. Er nutzte bekannte, existierende Formen, anstatt zu versuchen, neue zu erfinden, in dem Glauben, dass die universelle Kraft eines Kreuzes oder eines Kreises keiner weiteren Verzierung bedurfte. Sein Prozess war oft langsam und meditativ. Er konnte Stunden damit verbringen, eine einzige Linie zu betrachten, oder ein einzelnes Gemälde bis zu dreißig Mal überarbeiten, wobei er die Oberfläche kratzte und rieb, bis die Proportionen der idealen Version entsprachen, die er in seinem Geist trug. Diese Akribie führte zu Werken, die autonom wirkten und durch eine kalkulierte Distanz vom Betrachter unnahbar blieben.

Sein späteres Schaffen konzentrierte sich stark auf das Zusammenspiel von vertikalen und horizontalen Achsen. Die folgenden Elemente prägten maßgeblich sein reifes Werk:

• Die Verwendung des Kreuzes als Symbol für sich gegenüberstehende Elemente, die in einem zentralen Punkt aufeinandertreffen.
• Das Vertrauen auf geometrische Motive wie das Rechteck, das Oval und das Quadrat.
• Die Erforschung der Spannung zwischen dem physischen Medium und dem wahrgenommenen Raum.

Selbst als er sich in den 1980er Jahren figurativeren Themen zuwandte, wie etwa seinen floralen Arbeiten, blieb die zugrunde liegende strukturelle Disziplin bestehen. Seine Kunst war ein kontinuierlicher Versuch, einen Zustand absoluter Endgültigkeit zu erreichen, in dem das Gemälde seine eigene interne Logik erlangt, ohne externe Erzählungen kommunizieren zu müssen. Als er 2009 verstarb, hinterließ er ein Œuvre, das bis heute als eine Studie über die Macht der Reduktion gilt.