Fritz Harnest

Die prägenden Jahre in München

In den geschäftigen Ateliers der Münchner Akademie der Bildenden Künste begann ein junger Mann, seine eigene Stimme zu finden. Zwischen 1921 und 1929 durchlief er die Klassenzimmer von Professoren wie Carl Johann Becker-Gundahl, Ludwig von Herterich und Karl Caspar. Seine frühen Jahre waren geprägt von einem tiefen Eintauchen in die technischen Grundlagen der Malerei, doch ein rastloser Geist zog ihn immer wieder zum Horizont. In den frühen 1930er Jahren reiste er häufig gemeinsam mit dem Maler Otto Baumann nach Frankreich, auf der Suche nach einer neuen Art des Sehens, die die starren Strukturen seiner Ausbildung nicht bieten konnten.

Die Schatten politischer Umwälzungen zwangen seinem kreativen Schaffen schließlich eine Pause auf. Nach der Machtübernahme der Nationalsozialisten stellte er die Malerei ein – ein Schweigen, das durch die turbulenten Jahre des Krieges andauerte. In dieser Zeit, von 1940 bis 1945, diente er als Dolmetscher im Stalag VII-A in Moosburg. Es war eine Ära des Überlebens und der stillen Beobachtung, weit entfernt von der farbenfrohen Freiheit, die er einst in den Landschaften Frankreichs gesucht hatte.

Das Erwachen der Abstraktion

Als er schließlich zu seinen Pinseln zurückkehrte, hatte sich die Welt verändert, und mit ihr seine Vision. Er kehrte nicht zu den Porträts seiner Jugend zurück, sondern verschrieb sich stattdessen einer Sprache aus reiner Form und Farbe. Mit sechsundvierzig Jahren hatte er sich der Abstraktion zugewandt und fand eine neue Art der Kommunikation durch das Gewicht einer Linie und die Intensität eines Farbtons. Seine Arbeit begann, das Spannungsverhältnis zwischen Vertikalen und Horizontalen zu erforschen, wobei er oft die Säule als zentrales, erdendes Motiv nutzte. Diese Formen waren keine bloßen Dekorationen; sie waren Versuche, durch die Geometrie ein Gefühl der Existenz zu finden.

Seine Technik wurde zu einem physischen Kampf mit dem Material. Er war ein Meister vieler Disziplinen und bewegte sich zwischen der fließenden Anmut der Aquarellmalerei und dem schweren, haptischen Widerstand des Holzschnitts. In seinen späteren Jahren fand er einen ganz eigenen Rhythmus im großformatigen Farbschnitt, bei dem er Pigmente mit einem Falzbeil auf japanisches Papier rieb und so jeden Druck zu einem Unikat machte. Oft ließ er die natürliche Maserung des Holzes Teil der Komposition werden und behandelte das Material selbst als Mitgestalter des Bildes.

Ein Vermächtnis aus Form und Farbe

Die Anerkennung seiner künstlerischen Entwicklung kam mit der Teilnahme an bedeutenden Ausstellungen, darunter der II. documenta in Kassel im Jahr 1959. Seine Präsenz in der Kunstwelt war geprägt von einer Hingabe an das Wesentliche, wobei er oft das Erkennbare abstreifte, um etwas Urwüchsigeres zu erreichen. Seine Kompositionen stützten sich häufig auf das Zusammenspiel einfacher Formen – Kreise, Rechtecke und Ovale –, um eine innere Spannung zu erzeugen. Er suchte danach, eine Art Architektur des Geistes zu schaffen, in der großflächige Farbakzente neben zarten, tanzenden Linien existieren konnten.

Seine Auszeichnungen spiegelten ein Leben voller handwerklicher Hingabe und künstlerischer Integrität wider, darunter:

• Ein zweiter Preis bei der II. Internationalen Triennale Grenchen für farbige Originalgrafiken in der Schweiz.
• Eine Ehrenmedaille bei der Triennale Internazionale della Xilographia Contemporanea in Capri, Italien.
• Das Bundesverdienstkreuz der Bundesrepublik Deutschland im Jahr 1996.

Mit seinen Holzschnitten, Wandbildern und Gemälden hinterließ er ein Werk, das versuchte, in den Trümmern des Chaos Ordnung und Schönheit zu finden, indem er die vertikale Linie nutzte, um nach einem Gefühl der Beständigkeit zu greifen.