Jörg Remé

Das künstlerische Leben von Jörg Remé

Jörg Remé bleibt eine bedeutende Gestalt für all jene, die die Evolution der visuellen Sprache der Nachkriegszeit nachzeichnen. Geboren 1941 in Danzig, Polen, ist die Identität des Künstlers in einer niederländischen Staatsangehörigkeit verwurzelt, die seinen beruflichen Werdegang maßgeblich prägen sollte. Er beschränkte sich jedoch nie auf ein einziges Medium; vielmehr agierte er als Maler, Lithograf, Grafiker und Bildender Künstler. Diese Vielseitigkeit ermöglichte es ihm, die vielfältigen technischen Anforderungen über eine Karriere hinweg zu meistern, die Jahrzehnte intensiver Produktion umfasste.

Seine professionelle Entwicklung wurde durch eine rigorose akademische Ausbildung geformt. Remé studierte von 1959 bis 1964 an der Kunstakademie in Nürnberg bei Professor Schmitt, bevor er zwischen 1962 und 1964 an die Staatliche Kunstakademie in Amsterdam zu Professor Clénin wechselte. Diese prägenden Jahre schufen das technische Fundament für die hochspezifische Bildsprache, die er später entwickeln sollte. Fast vierzig Jahre lang lebte und arbeitete Remé zwischen Amsterdam und Venedig – eine geografische Dualität, die seine Perspektive beeinflusste, während er sich zunehmend von standardisierten Klassifizierungen entfernte.

Bereits in den 1960er Jahren begann Remé, eine unverwechselbare Präsenz aufzubauen, und bewegte sich auf einen Stil zu, der sich einer einfachen Kategorisierung entzog. Sein Werk entstand aus einer Phase intensiver Experimentierfreude, insbesondere als er zwischen 1969 und 1975 die Morphologie seiner „künstlichen Figuren“ entwickelte. Er stützte sich nicht auf die etablierten Tropen einer einzelnen Strömung, sondern suchte stattdessen die Konfrontation seiner eigenen Bildwelt mit den Traditionen der Metaphysischen Malerei, des Futurismus und des Kubismus. Es ist diese Weigerung, in ein einziges Etikett gepresst zu werden, die seinem Gesamtwerk seinen beständigen, spezifischen Charakter verleiht.

Stil und Technik

Remés visuelle Sprache ist eine kalkulierte Kollision aus dem Surrealen und dem Wiedererkennbaren. Er verlässt sich nicht auf die reine Abstraktion; stattdessen konstruiert er eine imaginative Morphologie, die fest an einer Sinnhaftigkeit der Form verankert bleibt. Dies wurde besonders deutlich bei der Entwicklung seiner „künstlichen Figuren“ zwischen 1969 und 1975. Diese Figuren sind keine bloßen Skizzen, sondern strukturierte Entitäten, die dem Betrachter durch eine spezifische, idiosynkratische Geometrie gegenübertreten. Er erforschte dies oft durch seine „Stille-Figuren“, ein wiederkehrendes Motiv, das sowohl in Gemälden als auch in Aquarellen zum Ausdruck kommt.

Sein technischer Ansatz ist breit gefächert und bewegt sich zwischen dem fließenden Auftrag von Aquarellen und der Präzision der Lithografie. Zudem übertrug er sein skulpturales Empfinden auf die Keramik und verlieh seinen imaginären Subjekten so physisches Gewicht. Diese Vielseitigkeit erlaubte es ihm, die Lücke zwischen den Traditionen der westlichen Kunst und nicht-westlicher Bildsprache zu schließen. Seine Reisen lieferten direkte Einflüsse aus der exotischen Ästhetik Indiens und Südamerikas, die er in sein eigenes bildnerisches System integrierte. Dabei lieh er sich diese Elemente nicht einfach nur aus; er synthetisierte sie zu einem persönlichen, hybriden Vokabular.

Die Stärke seines Werkes liegt darin, wie es mit etablierten Bewegungen interagiert, ohne von ihnen verschlungen zu werden. Er positionierte seine Figuren vor dem Hintergrund der Metaphysischen Malerei, des Futurismus und des Kubismus. Ebenso schöpfte er aus der Energie des Neo-Expressionismus, der „Neuen Wilden“ und der Postmoderne. Diese Auseinandersetzung mit diversen Strömungen ermöglichte es ihm, eine distinkte, wiedererkennbare Präsenz innerhalb der sich ständig wandelnden Landschaft der Kunst des 20. Jahrhunderts zu behaupten.

Schlüsselwerke und bedeutende Stücke

Remés Schaffen in den 1970er Jahren offenbart eine fokussierte Auseinandersetzung mit dem Medium der Lithografie. Im Jahr 1973 schuf er die Surrealistische Porträt-Suite, ein Paar Lithografien, die seine Fähigkeit zur Manipulation figurativer Formen demonstrieren. Jeder Druck dieser Suite wurde in einer Auflage von 190 Exemplaren veröffentlicht, wobei die spezifischen Abzüge mit 37/190 nummeriert waren. Diese Arbeiten markieren eine Periode, in der seine technische Präzision auf sein Interesse an verzerrter, erkennbarer Bildsprache traf.

Das Jahr 1976 brachte Frau mit Tulpe hervor, ein Werk, das bis heute ein bedeutender Referenzpunkt für sein grafisches Schaffen ist. Diese Lithografie mit den Maßen 70 x 58 cm ist handsigniert und repräsentiert die Skalierung und Klarheit seiner Kompositionen der Mitte der siebziger Jahre. Das Werk verzichtet auf die Abstraktion seiner späteren Experimente und konzentriert sich stattdessen auf die Spannung zwischen dem Subjekt und dem umgebenden Raum. Es bleibt ein konkretes Beispiel dafür, wie er die Druckgrafik nutzte, um seine visuelle Sprache zu festigen.