Kenneth Evett

Frühes Leben, Familie und künstlerische Ausbildung

Kenneth Evett kam am 1. Dezember 1913 in Loveland, Colorado, zur Welt. Als mittlerer Sohn von Charles Evett und Sarah Warnock Evett wurde er in eine Familie hineingeboren, deren Mitglieder später sehr unterschiedliche Pfade in der Literatur und der Musik einschlugen. Seine Kindheit war geprägt von den rauen Landschaften der Rocky Mountains, wo sein Vater in Estes Park einen Fuhrwerksbetrieb leitete. Diese Wurzeln in den Bergen schufen eine Kulisse aus wilden Tieren und dem wechselhaften Licht der Hochgebirgsregionen – Elemente, die später einen festen Platz in seiner visuellen Sprache finden sollten.

Seine formale künstlerische Ausbildung begann in earnest im Fine Arts Center in Colorado Springs. Dort sicherte ihm eine zufällige Begegnung mit einem wohlhabenden Nachbarn ein Stipendium, das es ihm ermöglichte, sein Handwerk mit hingebungsvoller Konzentration zu perfektionieren. Diese frühe Unterstützung ebnete den Weg für sein fortgeschrittenes Studium am Colorado College. Bis 1939 hatte er seinen Master of Fine Arts in Malerei erworben – ein Meilenstein, der seinen Übergang vom bloßen Beobachter der Landschaft zu einem disziplinierten Meister seines Mediums markierte.

In seinen prägenden Jahren suchte Kenneth Evett den Rat von Meistern, die das Gewicht und das Ausmaß öffentlicher Kunst verstanden. Er studierte bei den Wandmalern George Biddle, Henry Varnum Poor und Boardman Robinson. Diese Mentoren halfen dabei, sein Verständnis von Komposition und Form zu schärfen und bereiteten ihn auf die bedeutenden Aufträge vor, die ihm folgen sollten. Seine Ausbildung war dabei weit mehr als eine bloße Aneinanderreihung technischer Lektionen; sie war ein tiefes Eintauchen in die Traditionen der Malerei, die seine lange Karriere nachhaltig stützen sollten.

Mäzene, Aufträge und Wandmalerei

In den kargen Jahren der Großen Depression fand Kenneth Evett seinen Platz als easel painter im Rahmen der Works Progress Administration. Diese Phase intensiver Arbeit bescherte ihm seinen ersten bedeutenden künstlerischen Durchbruch, als ihm der Auftrag zur Gestaltung eines Wandgemäldes für das Postamt in Humboldt, Nebraska, übertragen wurde. Dieser frühe Erfolg ebnete den Weg für weitere Möglichkeiten, da er in der Folge mehrere Aufträge des Finanzministeriums erhielt, um öffentliche Räume künstlerisch zu bereichern. Schließlich vollendete er sechs Wandgemälde in den Landschaften von Colorado, Kansas und Nebraska und hinterließ damit eine bleibende Spur in der zivilen Architektur des amerikanischen Herzlandes.

Sein Ruf für großformatige Kompositionen festigte sich durch diese öffentlichen Werke, die ein feines Gleichgewicht zwischen erzählerischer Tiefe und technischer Meisterschaft erforderten. Im Jahr 1954 erreichte er einen bedeutenden beruflichen Meilenstein, als er einen nationalen Wettbewerb gewann. Dieser Sieg übertrug ihm die prestigeträchtige Aufgabe, drei Wandgemälde für die Rotunde des Nebraska State Capitol zu malen. Diese Werke, die sich mit der Arbeit von Hand, Geist und Herz auseinandersetzten, verschafften ihm eine nationale Bekanntheit, die ebenso bedeutsam wie – aufgrund ihrer modernen Sensibilität – zeitweise auch kontrovers war.

• Picnic in Kansas (Wandbildstudie)
• Cowboys Driving Cattle (Wandbildstudie)
• The Auction (Wandbildstudie)
• Building the New Road (Wandbildstudie)

Technik und künstlerischer Stil

Obwohl seine Hand zu so vielen Ausdrucksformen fähig war, fand Kenneth Evett seine beständigste Stimme im Medium der Aquarellmalerei. Er näherte sich der Landschaft nicht mit einer flüchtigen Leichtigkeit, sondern mit einer gewichtigen, bewussten Präsenz. Seine Landschafts aquarelle zeichneten sich durch eine satte Tonalität und eine tiefe Textur aus, die der natürlichen Welt ein greifbares, physisches Gewicht verliehen. Er trug die Farbe nicht einfach nur lasierend auf das Papier auf; er schichtete sie auf und schuf Oberflächen, die sich so rau und zerklüftet anfühlten wie das Terrain, das er einzufangen suchte.

Diese Intensität beschränkte sich jedoch nicht nur auf seine Aquarelle. Wenn er sich der Ölmalerei zuwandte, bevorzugte er eine Palette aus intensiven Farben und trug die Pigmente mit einer Energie auf, die seinem lebhaften Temperament entsprach. Er war ein Künstler vieler Werkzeuge, der mühelos zwischen der fließenden Anmut der Ölfarben und der scharfen, disziplinierten Präzision von Tuschezeichnungen wechselte. Auch seiner Vorstellungskraft wohnte eine gewisse Dunkelheit inne, die er durch die Verwendung von Sumi-Tusche zum Ausdruck brachte. In diesen Werken erschuf er Landschaften, die beinahe apokalyptisch wirkten, und nutzte die Tusche, um Szenen von tiefer, schwermütiger Kraft heraufzubeschwören.

Seine Fähigkeit, mit so unterschiedlichen Materialien umzugehen, erlaubte es ihm, verschiedene Maßstäbe zu meistern – von den intimen Skizzen eines felsigen Vorsprungs bis hin zu den monumentalen Anforderungen öffentlicher Wandgemälde. Ob er nun mit der zarten Transparenz des Aquarells oder der kargen Strenge der Tusche arbeitete, seine Handschrift blieb stets unverkennbar seine eigene.

Akademische Laufbahn und späte Jahre

Der stetige Rhythmus seines Lebens fand im Jahr 1948 ein dauerhaftes Zuhause, als er in das Lehrkörper des Kunstdepartments der Cornell University aufgenommen wurde. Er sollte über drei Jahrzehnte lang in diesen Hallen wirken und schließlich den Ehrentitel eines Professors Emeritus erlangen. Seine Präsenz an der Universität zeichnete sich durch weit mehr als nur seine Lehrtätigkeit aus; er half bei der Organisation von Kunstfestivals und verschiedenen Campus-Veranstaltungen und wurde so zu einer festen Größe im kreativen Leben der Institution. Selbst während er die Geister seiner Studenten formte, suchte er unaufhörlich seinen eigenen Weg durch die Welt und reiste in die Landschaften von Italien, Frankreich, Irland, Griechenland und Spanien, um dort seine Staffelei aufzustellen.

Sein Ansehen unter seinen Fachkollegen fand 1994 seine Anerkennung, als er in die National Academy of Design gewählt wurde. Diese Ehrung folgte auf Jahrzehnte unermüdlicher Arbeit, die ein breites Spektrum an Medien umfasste – von den intensiven Farben seiner Ölgemälde bis hin zur zarten Präzision der Sumi-Tusche. Er war ein Mann der Worte ebenso wie ein Mann der Farben und fand stets die Zeit, Essays über Architektur und visuelle Erfahrung für verschiedene Publikationen zu verfassen. Seine Stimme fand in den Seiten von The New Republic und anderen Magazinen Gehör und spiegelte einen Geist wider, der danach strebte, das eigentliche Wesen dessen zu begreifen, was er sah.

In seinen letzten Lebensjahren lebte er in Ithaca, New York. Dort verstarb er am 28. Mai 2005 im Alter von 91 Jahren. Er hinterließ ein Vermächtnis, das ebenso sehr die Gemeinschaft betraf, die er im Klassenzimmer mitgestaltet hatte, wie die Spuren, die er auf der Leinwand hinterließ.

Wo man seine Werke heute sehen kann

Um die Spuren seiner Hand zu finden, muss man zu jenen Institutionen reisen, die seine Vision über die Jahrzehnte hinweg bewahrt haben. In Washington, D.C. beherbergt das Smithsonian American Art Museum mehrere seiner Stücke, darunter Studien für die Wandgemälde, die er einst in den Postämtern der Ebenen zum Leben erweckte. Seine Präsenz ist auch in den Hallen des Munson-William-Proctor Institute in Utica, N.Y., spürbar, wo seine Werke Teil der ständigen Sammlung geblieben sind.

Das Vermächtnis seiner langen akademischen Laufbahn spiegelt sich in den Sammlungen des Herbert F. Johnson Museum of Art der Cornell University wider. Es ist ein Ort, an dem seine Kunst weiterhin ausgestellt wird, ganz ähnlich wie die Gemälde, die einst die Besucher in der Lobby begrüßten. Über diese akademischen und nationalen Depots hinaus haben seine Bildwelten in den Museen von Newark und Montclair ein Zuhause gefunden, was sicherstellt, dass seine vielfältigen Erkundungen von Landschaft und Form auch weiterhin von jenen gesehen werden, die nach ihnen suchen.