Mark Rowan Hull

Die künstlerische Praxis von Mark Rowan Hull

Geboren 1968 in Clacton-on-Sea, Essex, begann Mark Rowan Hull sein Lebenswerk durch eine Linse tiefgreifender sensorischer Verbundenheit. Als britischer Synästhet ist seine Vision untrennbar mit der Welt des Klangs verknüpft – ein Zustand, der seine Wahrnehmung der Welt um ihn herum maßgeblich prägt. Für Hull ist Kunst keine distanzierte Beobachtung externer Objekte, sondern eine unmittelbare Auseinandersetzung mit der gelebten Erfahrung. Er sucht danach, die inneren Bewegungen von Erinnerung und Emotion in eine visuelle Sprache zu übersetzen, wobei er oft den physischen Akt des Malens nutzt, um die Komplexität der menschlichen Existenz zu verarbeiten.

Sein Schaffen ist tief im intellektuellen und sozialen Gefüge von Oxford verwurzelt, wo er ein lebenslanges Mitglied der Universität Oxford ist. Diese Verbindung zu einer so geschichtsträchtigen Institution bietet ein beständiges Fundament für einen Künstler, dessen Werk oft die Schnittstelle zwischen dem Greifbaren und dem Ephemeren erkundet. Er hat einen Großteil seiner Karriere damit verbracht, zu untersuchen, wie eine einzige Geste oder eine spezifische Bewegung die Ängste und Fakten eines Lebens auf eine Leinwand entlassen kann. Dieses Streben nach Bedeutung durch Handlung definiert seine Präsenz sowohl als bildender als auch als Performance-Künstler.

Technik und Stil der visuellen Musik

Die künstlerische Praxis von Mark Rowan Hull wurzelt in der Überzeugung, dass Kunst durch den Akt ihrer Entstehung selbst lebendig werden sollte. Er erschafft nicht bloß Objekte für die stille Kontemplation; vielmehr sucht er danach, die belebenden, flüchtigen Qualitäten der bildenden Kunst einzufangen, indem er sein Werk in der Performance selbst zum Leben erweckt. Indem er in Echtzeit auf Musik reagiert, versucht er, die Art und Weise zu verkapseln, wie Musik die Zeit in ihrer Struktur festhält. Dieser Prozess ist eine fortwährende Untersuchung des hybriden Raums, in dem Klang und Sichtbarkeit aufeinandertreffen, wodurch der Akt des Malens zu einer physischen Untersuchung wird, wie Bewegung und Gestik auditive Empfindungen in sichtbare Formen übersetzen können.

Seine Methode stützt sich maßgeblich auf das Zusammenspiel von Gestik, Bewegung und Farbe, um die Sinne zu erforschen. Anstatt einem statischen Plan zu folgen, entsteht das Werk aus einem rhythmischen Dialog mit der dargebotenen Musik. Dieser Ansatz ermöglicht es dem Künstler, die unmittelbare Energie einer Komposition in eine physische Spur auf der Leinwand zu übertragen. Durch diese Interventionen erforscht er, wie die vergängliche Natur eines musikalischen Tons durch den bewussten Auftrag von Farbe verankert werden kann, wodurch ein visuelles Zeugnis eines Augenblicks geschaffen wird, der bereits vergangen ist.

Zusammenarbeit und musikalische Darbietungen

Die künstlerische Praxis von Mark Rowan Hull fand oft weit abseits der stillen Einsamkeit des Ateliers statt, hin zu dem geteilten, atmenden Raum einer Live-Performance. Im Jahr 2002 schuf er zwei großformatige Leinwände für ein Konzert – ein Akt, der es ihm abverlangte, sich unmittelbar auf die sich entfaltende Energie der Musik einzulassen. Diese Gewohnheit, in Echtzeit zu malen, ermöglichte es dem visuellen Werk, zu einer physischen Erweiterung des Klangs zu werden. Bis 2003 trat er gemeinsam mit der Konzertpianistin Helen Reid beim Music of Mind Festival an der Universität von London auf, wo er die Noten des Klaviers vor einem Live-Publikum in Gestik und Farbe übersetzte.

Diese Darbietungen fanden häufig in Räumen von großer architektonischer Bedeutung statt. Im Jahr 2006 brachte er sein Werk in die Westminster Cathedral, und später, im Jahr 2007, nahm er am Festival der Dartington International Summer School teil. Seine Kollaborationen beschränkten sich dabei nicht nur auf Solisten; so arbeitete er 2007 mit dem Coull Quartet in der Pallant House Gallery zusammen und fand einen Weg, die komplexen Texturen der Kammermusik auf die Leinwand zu übertragen. In diesen Momenten stand weniger das fertige Objekt im Vordergrund als vielmehr der Akt der Übersetzung, während er versuchte, die flüchtigen Qualitäten einer Melodie einzufangen, noch bevor der letzte Ton verklungen war.

Im weiteren Verlauf seiner Karriere suchte er beharrlich nach diesen Schnittstellen zwischen Klang und Sichtbarkeit. Im Jahr 2008 arbeitete er mit dem Pianisten Peter Hill für einen Auftritt in der Music Concert Hall der Universität Leeds zusammen. Durch diese vielfältigen Begegnungen versuchte der Künstler, die Kluft zwischen dem Auditiven und dem Visuellen zu überbrücken und den Akt des Malens in eine gemeinsame, gelebte Erfahrung zu verwandeln.

Hauptwerke und künstlerische Resonanzen

Das Jahr 2003 markierte eine Phase intensiver kreativer Schöpfungskraft, in der der Künstler danach strebte, die strukturierten Komplexitäten klassischer Kompositionen in eine physische Form zu übersetzen. In dieser Zeit widmete er sich den Werken Bachs und schuf visuelle Antworten auf die Solovioline sowie die melodiöse „Air on a G String“. Diese Arbeiten waren weit mehr als bloße Illustrationen; es waren Versuche, das eigentliche Wesen der Musik durch die Bewegung der Farbe einzufangen. In ähnlicher Weise setzte er sich mit den vielschichtigen Texturen von Purcells „Chacony“ auseinander und suchte nach einer visuellen Sprache für die barocken Rhythmen, die seine Hand leiteten.

Sein Engagement für die dramatischeren und strukturellen Elemente der Musik führte ihn zur Erkundung der Werke von Schubert und Bartók. Er schuf mehrere Stücke als Antwort auf Schuberts Streichquartett Nr. 1 in h-Moll und die Violinen- und Bratsche-Stücke von Bartók sowie eine Reaktion auf ein Bartók-Quartett. Diese Werke erforderten eine tiefgehende Analyse harmonischer Progressionen und rhythmischer Muster, die er in geschichteten, texturierten Leinwänden destillierte. Selbst die lebhafte Natur von „Polkas, aufgeführt von einem Quartett“ und die intensiven, wechselnden Stimmungen von Griegs „In der Halle des Bergkönigs“ fanden Eingang in sein visuelles Vokabular und bewiesen seine Fähigkeit, sowohl die hellen als auch die dunklen Facetten der musikalischen Darbietung zu navigieren.

• Response to Bach Solo Violin (ca. 2003)
• Response to Purcell's ‘Chacony’ (ca. 2003)
• Response to Schubert String Quartet No.1 in B Minor (ca. 2003)
• Response to Grieg's ‘Hall of the Mountain King’ (ca. 2003)

Wo man seine Werke heute sehen kann

Die physische Präsenz seiner Leinwände lässt sich im akademischen Herzen von Oxford aufspüren. Viele seiner Werke befinden sich im Department of Economics in Oxford, wo sie inmitten der stillen, konzentrierten Arbeit der Universität hängen. Auch in den Sammlungen des St Hugh's College in Oxford sowie am Wolfson College haben seine Arbeiten ein Zuhause gefunden. Diese besonderen Orte ermöglichen es seinen visuellen Antworten auf die Musik, in Räumen zu existieren, die der tiefen Reflexion und dem Studium gewidmet sind.

Über diese permanenten Sammlungen hinaus hat seine Kunst auch bedeutende öffentliche Bühnen erobert. In den Jahren 2011 und 2012 brachte er seine Praxis in das South Bank Centre, wo er seine einzigartige Methode des Malens als unmittelbare Antwort auf Live-Klänge präsentierte. Seine Präsenz in solchen renommierten Veranstaltungsorten, einschließlich des Linacre College, spiegelt ein Leben wider, das sich zwischen den stillen Hallen der Wissenschaft und den lebendigen, geteilten Räumen der musikalischen Darbietung bewegt.