Roberto Barni

Die frühen Texturen von Pistoia

Roberto Barni wurde am 30. September 1939 in Pistoia, Italien, geboren und begann bereits um 1952, die Welt durch die Linse der Ölfarben zu betrachten. Seine frühesten Erinnerungen sind geprägt vom Anblick des Mondes und dem flackernden Licht der Flammen einer nachts bombardierten Stadt. Gegen Ende der 1950er Jahre arbeiteten seine Hände mit weit mehr als nur Farbe; er experimentierte mit Holz, Eisen, Fotografie und Zeitungen, um abstrakte Formen zu erschaffen. Diese frühen Werke nutzten schwere Materialien, um etwas Haptisches, Greifbares zu kreieren. Im Jahr 1960 begann er, diese Stücke in Pistoia und Florenz auszustellen.

Die Jahre zwischen 1gru60 und 1970 waren geprägt von seiner Präsenz in verschiedenen europäischen Galerien. Er arbeitete mit technischen Zeichnungen und industriellen Farben, um Teile der städtischen Topografie kartografisch zu erfassen. Manchmal bestanden seine Leinwände aus großen Zeitungsbögen, auf denen er die Umrisse gewaltiger Territorien zeichnete. Zwischen 1964 und 1966 nahmen seine Landschaften eine Qualität an, die der Xylografie ähnelte. Sein künstlerisches Schaffen war dabei nicht auf einen einzigen Stil beschränkt, sondern vielmehr eine fortwährende Suche durch verschiedenste Oberflächen.

Der Wandel hin zu Form und Raum

Im Jahr 1967 veränderte sich sein Werk erneut, als er begann, dreidimensionale Formen mit metallischen und rostroten Farben auf weiße Tücher aufzutragen. Diese Periode war gekennzeichnet von dem Versuch, sich von der bloßen Nachahmung zu lösen und hin zu einem konkreteren, symbolischen Raum vorzudringen. Bis 1972, nach einem Jahrzehnt des Erkundens verschiedener Pfade, kehrte seine Arbeit zu Themen der Geschichte und der Malerei zurück, insbesondere mit dem Werk Resurrection. Er sprach oft von Anachronismus – einer Art des Sehens, die nicht zulässt, dass zeitgenössische Techniken oder Materialien die Vision diktieren.

Mit der Zeit verlagerte sich das Gewicht des Werkes von der Leinwand in die dritte Dimension. Sein Fokus verschob sich zunehmend in Richtung der Bildhauerei. Er nutzte den Bronzeguss, um sich vom traditionellen Einsatz von Marmor zu entfernen, und schuf schlanke Figuren, die den Raum mit einem Gefühl der Bewegung beleben. Diese Gestalten wirken oft anonym, ihrer individuellen Identität beraubt, um eine universellere menschliche Präsenz darzustellen. In seinen Händen trägt das Metall die Schwere des Wartens und der Existenz.

Ein Leben in Bewegung und Bronze

Die späten 1980er Jahre brachten eine Phase bedeutender internationaler Aktivität mit sich. Zwischen 1986 und 1987 unterhielt er ein Atelier in New York City und stellte im Queens Museum sowie in der Shape Gallery aus. Seine Arbeit erreichte ein Publikum in Washington DC, Los Angeles, München und Basel. Im Jahr 1988 nahm er sowohl an der Biennale in Venedig als auch an der Skulpturen-Biennale in Monte Carlo als Bildhauer teil.

Sein skulpturales Schaffen umfasst mehrere bemerkenswerte Stücke, die sich in öffentlichen und privaten Sammlungen befinden:

• Giro del Sole: Eine Figurengruppe in Pistoia.
• I passi d’oro (Die goldenen Schritte): Ein Denkmal in Florenz, geschaffen zum Gedenken an die Opfer des Bombenanschlags auf die Uffizien im Jahr 1993, welches Gold nutzt, um das Licht einzufangen.
• Continuo: Erschaffen für die Daniel Spoerri Sammlung in Seggiano.
• The Great Vacina: Eine Skulptur für das Pecci Museum in Prato.

In Florenz lebend und arbeitend, schlägt er weiterhin die Brücke zwischen Malerei und Bildhauerei. Er betrachtet sie als eine Beziehung des Austauschs, in der die Malerei an Volumen gewinnt und die Skulptur die chromatischen Qualitäten der Farbe annimmt. Sein Werk bleibt tief in den Materialien verwurzelt, die er wählt – sei es die schwere Präsenz von Bronze oder die vielschichtigen Texturen von Papier und Eisen.