Vaughn Flannery

Der Spezialist für Vollblüter

Vaughn Flannery malte nicht um der Abstraktion oder dekorativen Launen willen. Sein Werk war tief verwurzelt in der rauen Realität und der puren Muskelkraft der Rennbahn. Während viele seiner Zeitgenossen nach Bedeutung in der Avantgarde suchten, fand Flannery sein Sujet im schweren Atem eines Pferdes, das nach einem Training abkühlt, oder in den stillen, ungestellten Momenten auf einem Gestüt. Er war ein Spezialist, ein Mann, der die Anatomie eines Rennpferdes und die ganz eigene Atmosphäre der Außenbahnen von Belmont Park, Saratoga und Pimlico verstand. Seine Perspektive war die eines Insiders – jemand, der sich unter die Besitzer, Trainer und Knechte mischte, anstatt sie nur aus der Ferne zu beobachten.

Sein technischer Ansatz war direkt und unvermittelt. Er bevorzugte Öl auf Leinwand, um die physische Realität seiner Motive einzufangen. Dabei verzichtete er bewusst auf die steife, formale Inszenierung, die für die Pferdeporträtmalerei jener Ära üblich war. Stattdessen platzierte er seine Subjekte in ihrer natürlichen Umgebung, sei es beim Verladen in einen Transporter oder beim Ausapacken auf eine Weide. Diese Hingabe an die ungeschönte Realität des Lebens der Tiere verlieh seinem Werk eine ganz eigene, ehrliche Schwere.

Eine Karriere der Präzision

Flannerys Berufsleben war geprägt von einem Übergang aus der strukturierten Welt der Werbung hin zu den spezialisierten Anforderungen der Pferdeporträtmalerei. Nach seinem Studium am Art Institute of Chicago baute er eine Karriere im kommerziellen Sektor auf und arbeitete als Art Director für renommierte Firmen in Philadelphia und New York. Dieses fundierte Design-Verständnis trug vermutlich maßgeblich zur Klarheit seiner Kompositionen bei. Im Jahr 1941 zog er schließlich nach Maryland, um sich ganz der Malerei und der Pferdezucht zu widmen – eine Verbindung, die seine beiden großen Leidenschaften effektiv vereinte.

Seine Errungenschaften reichten weit über die Leinwand hinaus bis in den Bereich des Grafikdesigns und des internationalen Wettbewerbs. Seine Fähigkeit, Formen zu destillieren, wurde auf globaler Bühne anerkannt, als er das Logo für die Olympischen Sommerspiele 1932 entwarf. Sein Portfolio umfasst eine Vielzahl bemerkenswerter Motive und Orte:

• The Governor's Cup (1946)
• Ten Broeck
• Man o’ War
• Discovery
• Questionnaire
• Shut Out
• The Maryland Hunt Cup
• Kelly’s Barn
• Daybreak, Old Pimlico
• Repainting the Weather-vane, Pimlico
• Displaying the Preakness Vase, Old Clubhouse, Pimlico
• Jackpot’s Boy, Pimlico Jockey Room
• Old Clubhouse Dining Room, Pimlico
• Unpacking the Colors, Pimlico

Historische Bedeutung

Die Relevanz von Flannerys Schaffen zeigt sich in seiner Präsenz in bedeutenden amerikanischen Sammlungen. Seine Gemälde sind weit mehr als bloße private Aufzeichnungen von Pferden; sie werden in der Phillips Collection in Washington, D.C., dem Baltimore Museum of Art, dem Whitney Museum of Modern Art und dem National Museum of Racing and Hall of Fame bewahrt. Diese Platzierungen bestätigen, dass seine Darstellungen von Pferden wie Ten Broeck als bedeutende historische Dokumente des Rennsports angesehen werden.

Bis zu seinem Tod im Jahr 1955 blieb er eine feste Größe in der Rennsport-Gemeinschaft von Maryland. Sein Leben war definiert durch die Weigerung, die Kunst von der Industrie zu trennen. Er war Maler, Grafiker und Züchter zugleich – eine duale Identität, die sich in seinem Werk widerspiegelt, das den Fokus stets auf die authentische, unglamouröse Realität der Welt des Rennsports legt.