David Hammons es un artista estadounidense especialmente reconocido por sus obras creadas en Nueva York y Los Ángeles durante las décadas de 1970 y 1980.
Nacido en 1943 en Springfield, Illinois, fue el menor de diez hijos de una madre soltera. En 1962 se trasladó a Los Ángeles, donde inició su formación en el Chouinard Art Institute (actual CalArts) entre 1966 y 1968, y posteriormente en el Otis Art Institute de 1968 a 1972. Durante este periodo, recibió la influencia de artistas de renombre internacional como Bruce Nauman, John Baldessari y Chris Burden; sin embargo, también formó parte de un grupo pionero de músicos de jazz y artistas afroamericanos en Los Ángeles cuya influencia trascendió la región. En 1974, Hammons se estableció en la ciudad de Nueva York, donde poco a poco alcanzó reconocimiento nacional, ciudad donde continúa residiendo y trabajando actualmente.
Gran parte de su producción artística refleja un profundo compromiso con los movimientos por los derechos civiles y el Black Power. Un ejemplo magistral es su obra temprana Spade with Chains (1973), en la que el artista emplea un término provocativo y despectivo, vinculado al instrumento de jardinería literal, para crear un juego visual entre la hoja de una pala y una máscara africana, planteando así una declaración contemporánea sobre los temas de la servidumbre y la resistencia. Esta pieza formó parte de una serie más amplia de obras relacionadas con la "pala" en los años 70, incluyendo Bird (1973), donde se evoca a Charlie Parker mediante una pala que emerge de un saxofón, y Spade, un grabado de 1974 donde el artista presionó su rostro contra la forma, dejando una impronta caricaturesca de rasgos negroides.
En 1980, Hammons participó en la revolucionaria exposición The Times Square Show de Colab, la cual funcionó como un foro de intercambio de ideas para una nueva generación de artistas alternativos en Nueva York. Su instalación consistía en fragmentos brillantes y dispersos de vidrio, provenientes de botellas rotas de vino Night Train.
Otras de sus obras juegan con la asociación entre el baloncesto y los hombres negros jóvenes; por ejemplo, dibujos realizados rebotando repetidamente un balón de baloncesto sucio sobre enormes láminas de papel blanco impecable dispuestas en el suelo; una serie de canastas de baloncesto de dimensiones colosales, meticulosamente decoradas con chapas de botellas que evocan el diseño y el mosaico islámico; o Higher Goals (1986), donde un aro, red y tablero ordinarios se elevan sobre un poste de tres pisos de altura, comentando sobre las aspiraciones casi imposibles de alcanzar la fama deportiva como una vía de escape del gueto.
A través de su variada obra, sus diversos medios y sus frecuentes cambios de dirección, Hammons ha logrado evitar un estilo visual único y distintivo. Gran parte de su trabajo establece alusiones y comparte preocupaciones con el minimalismo y el arte posminimalista, pero añadiendo referencias duchampianas sobre el lugar que ocupan las personas negras en la sociedad estadounidense.
Al reflexionar sobre las obras de James Turrell relacionadas con la percepción de la luz, Hammons comentó: "Desearía poder hacer arte así, pero estamos demasiado oprimidos para que yo pueda experimentar en ese ámbito... Me encantaría hacerlo porque también podría ser algo muy negro. Ya sabe, como artista negro, ocupándome solo de la luz. Dirían: '¿Cómo demonios podría encargarse de eso, viniendo de donde vino?'. Quiero llegar a eso, estoy intentando llegar a eso, pero aún no soy lo suficientemente libre. Siento que todavía tengo que transmitir mi mensaje".
Junto con su enfoque en los matices culturales, la obra de Hammons también explora las nociones de espacio público y privado, así como aquello que constituye una mercancía valiosa. Una ilustración de estos conceptos se encuentra en Bliz-aard Ball Sale (1983), una pieza de performance en la que Hammons se sitúa junto a los vendedores ambulantes del centro de Manhattan para vender bolas de nieve con precios según su tamaño. Este acto funciona tanto como una parodia del intercambio de mercancías como un comentario sobre la naturaleza capitalista del arte fomentada por las galerías. Además, impone un valor satíprecio a la "blancura", ridiculizando el lujo superficial de la clasificación racial y criticando, al mismo tiempo, las duras realidades sociales del comercio callejero que experimentan quienes han sido discriminados por raza o clase.
También es digno de mención el uso por parte del artista de materiales desechados o abyectos, que incluyen, entre otros, excrementos de elefante, partes de pollo, mechones de cabello afroamericano y botellas de vino barato. Muchos críticos ven estos objetos como evocadores de la desesperación de la clase urbana negra y pobre, pero se dice que Hammons veía una especie de poder sacrosanto o ritualístico en estos materiales, razón por la cual los utilizó de manera tan extensa.
En The Window: Rented Earth: David Hammons, una de sus primeras exposiciones individuales en el New Museum, Hammons abordó la relación diametralmente opuesta entre la espiritualidad y la tecnología, yuxtaponiendo una máscara tribal africana con un invento moderno: un televisor de juguete para niños.
Hammons exploró el medio del video, colaborando con el artista Alex Harsley en varias obras, incluyendo Phat Free (originalmente titulada Kick the Bucket), que fue incluida en la Bienal del Whitney y otros recintos. Hammons y Harsley también han colaborado en instalaciones en la 4th Street Photo Gallery de Nueva York, un destacado espacio de exhibición y proyecto para artistas del East Village.

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