Roberto Barni

Las primeras texturas de Pistoia

Nacido en Pistoia, Italia, el 30 de septiembre de 1939, Roberto Barni comenzó a contemplar el mundo a través de los colores del óleo alrededor de 1952. Sus recuerdos más tempranos conservan la visión de la luna y las llamas vacilantes de una ciudad bombardeada durante la noche. Al final de la década de 1950, sus manos ya trabajaban con algo más que simple pintura; experimentaba con madera, hierro, fotografía y papel de periódico para construir formas abstractas. Estas obras primigenias utilizaban materiales pesados para crear una experiencia táctil. En 1960, comenzó a exhibir estas piezas en Pistoia y Florencia.

Los años comprendidos entre 1960 y 1970 lo vieron recorrer diversas galerías europeas. Trabajó con dibujos técnicos y colores industriales para trazar partes de la topografía urbana. En ocasiones, sus lienzos eran grandes pliegos de periódico donde dibujaba los contornos de vastos territorios. Entre 1964 y 1966, sus paisajes adquirieron una cualidad similar a la xilografía. Su práctica no se limitaba a un estilo único, sino que consistía en una búsqueda constante a través de diferentes superficies.

El giro hacia la forma y el espacio

En 1967, su obra experimentó un nuevo cambio al comenzar a aplicar formas tridimensionales sobre telas blancas, utilizando colores metálicos y rojo óxido. Este periodo estuvo marcado por el intento de alejarse de la simple imitación para avanzar hacia un espacio más concreto y simbólico. Para 1l año 1972, tras una década explorando diversos caminos, su trabajo regresó a los temas de la historia y la pintura, destacando especialmente con la pieza Resurrección. Con frecuencia hablaba del anacronismo, una forma de mirar que no permite que las técnicas o materiales contemporáneos dicten la visión artística.

Con el paso del tiempo, el peso de su obra se trasladó del lienzo a la tercera dimensión. Su enfoque se desplazó cada vez más hacia la escultura. Utilizó la fundición en bronce para distanciarse del uso tradicional del mármol, creando figuras esbeltas que habitan el espacio con una sensación de movimiento. Estas figuras suelen aparecer anónimas, despojadas de identidad individual para representar una presencia humana más universal. En sus manos, el metal carga con el peso de la espera y la existencia.

Una vida en movimiento y bronce

El final de la década de 1980 trajo consigo un periodo de significativa actividad internacional. Mantuvo un estudio en la ciudad de Nueva York entre 1986 y 1987 y exhibió en el Queens Museum y la Shape Gallery. Su obra alcanzó audiencias en Washington DC, Los Ángeles, Múnich y Basilea. En 1988, participó tanto en la Bienal de Venecia como en la Bienal de Escultura de Montecarlo en calidad de escultor.

Su producción escultórica incluye varias piezas notables que habitan colecciones públicas y privadas:

• Giro del Sole: Un grupo escultórico ubicado en Pistoia.
• I passi d’oro (Los pasos de oro): Un monumento en Florencia, creado en memoria de las víctimas del atentado de 1993 en los Uffizi, utilizando el oro para capturar la luz.
• Continuo: Creado para la colección Daniel Spoerri en Seggiano.
• The Great Vacina: Una escultura para el Museo Pecci en Prato.

Residiendo y trabajando en Florencia, continúa tendiendo puentes entre la pintura y la escultura. Él las concibe como una relación de intercambio, donde la pintura gana volumen y la escultura adopta las cualidades cromáticas de la pintura. Su obra permanece arraigada en los materiales que elige, ya sea la presencia imponente del bronce o las texturas estratificadas del papel y el hierro.