Atta Kwami

Jeunesse, famille et formation

Atta Kwami est né George Atta Kwami en 1956 à Accra, au Ghana. Il a grandi au sein d'un foyer où l'expression créative était une présence quotidienne. Son père, Robert Kwami, exerçait la profession de professeur de musique, tandis que sa mère, Grace Kwami, était une éminente artiste contemporaine ghanéenne de première génération. Ce berceau de transmission et de création a profondément façonné ses premières années à Accra.

Sa formation académique et sa future carrière d'enseignant se sont articulées autour de l'Université des sciences et technologies Kwame Nkrumah (KNUST) à Kumasi, au Ghana. Il a passé une grande partie de sa vie professionnelle dans les couloirs de cette institution, d'abord en tant qu'étudiant, puis en tant qu'éducateur. Ses recherches et ses engagements pédagogiques l'ont également mené au Royaume-Uni, jetant ainsi un pont entre les espaces académiques de Kumasi et ceux de l'étranger.

Technique et style artistique

Ses premières œuvres suivaient la voie de l'expressionnisme abstrait, s'animant de l'énergie propre aux Action Painters. Durant ces années, il puisait dans son environnement, incrustant des récipients et divers détritus directement dans la peinture. Cette approche expérimentale marquait une rupture avec les modes représentationnels et figuratifs alors prédominants sur la scène artistique locale. À mesure que sa pratique mûrissait, cet élan brut s'est transformé pour donner naissance à un abstractionnisme lyrique géométrique. Il a alors commencé à travailler avec des trames aux structures souples et une palette de couleurs stridentes et sonores qui semblent vibrer à la surface même de l'œuvre.

Ses compositions reposent sur une improvisation constante entre la forme et la couleur. Il recherchait un équilibre singulier, un équilibre dynamique où la structure et le jeu coexistent harmonieusement. Son travail refuse de réduire la multiplicité à une uniformité monolithique ; au contraire, ses strates superposent de nombreux éléments simultanément. Ces motifs s'inspirent souvent du langage visuel de l'architecture ghanéenne et des textures de textiles africains tissés en bandes, plus précisément des étoffes Kente, Ewe et Asante. Il utilisait fréquemment le bois comme support pour ses constructions en plein air, créant ainsi des œuvres tridimensionnelles qui entrent en interaction directe avec le paysage.

Œuvres notables et commandes

Sa pratique artistique transcendait souvent la planéité de la toile pour s'aventurer dans l'espace physique du paysage. Il s'est illustré par la création de kiosques et de sculptures en arche, véritables peintures tridimensionnelles expansées. Ces œuvres utilisaient fréquemment le bois, une surface qu'il affectionnait tout particulièrement pour ses constructions en plein air. L'une de ses pièces les plus marquantes est Lanier Place Goddess II.

La couleur et la forme dans ses peintures puisaient souvent leur essence dans les motifs de l'architecture ghanéenne et dans les textiles tissés en bandes des peuples Ewe et Asante. Dans Sika Futuru (Poussière d'or), il jouait sur des associations de valeurs et de luminosité. Son œuvre Red, Gold and Green exploitait des couleurs partagées par l'identité culturelle ghanéenne et panafricaine. Ces compositions reposaient sur une palette capable d'être à la fois expressive, structurelle ou hautement symbolique.

Son ultime grand projet public fut une commande murale intitulée DzidzƆ kple amenuveve (Joie et Grâce), réalisée entre 2021 et 2022. Cette œuvre fut peinte sur du bois, le même matériau qu'il privilégiait pour ses sculptures extérieures. Cette fresque était inspirée d'une peinture qu'il retravaillait dans son atelier peu avant son décès. Elle fut installée dans le Serpentine North Garden, où ses teintes étaient destinées à dialoguer avec le feuillage environnant et l'immensité du ciel.

Prix, bourses et résidences

Sa présence au sein des sphères académiques et institutionnelles fut jalonnée par plusieurs nominations prestigieuses. En 2008, il a occupé le titre de 1st Thoyer Distinguished Visiting Scholar à l'université de New York. Cette étape fut suivie d'un séjour au National Museum of African Art de la Smithsonian Institution à Washington, DC, où il a bénéficié de la bourse Philip L. Ravenhill de mars à mai 2010. Son parcours l'a également mené à la Graduate School of Art & Design de l'Université du Michigan, où il a exercé en tant qu'artiste en résidence en janvier 2011.

L'année 2011 a été marquée par une nouvelle dynamique de mouvement, portée par diverses bourses et subventions. Il a reçu le Janet L. Stanley Travel Award pour participer au Quinzième Symposium triennal sur l'art africain. Au cours de cette même année, il a entrepris la bourse internationale Howard Kestenbaum/Vijay Paramsothy à la Haystack Mountain School of Crafts dans le Maine, aux États-Unis. Ces périodes d'étude et de résidence ont favorisé un engagement constant avec des environnements et des matériaux variés.

En 2021, il a été nommé lauréat du prix Maria Lassnig, une distinction émanant à la fois de la Fondation Maria Lassnig à Vienne et des Serpentine Galleries au Royaume-Uni. Cette reconnaissance est intervenue lors de la dernière année de sa vie, marquant un moment charnière de sa trajectoire professionnelle avant son décès au Royaume-Uni.