Kees Okx

L'empreinte silencieuse de Cornelis Okx

Cornelis Okx, connu de beaucoup sous le nom de Kees, a mené une vie oscillant entre les rues structurées de Haarlem et la quiétude de Gintrac, en France. Ses mains ont été formées à l'Instituut voor Kunstnijverheidsonderwijs d'Amsterdam, un lieu où les exigences techniques de l'artisanat rencontraient la liberté d'expression. Homme de l'encre et de l'huile, il était à la fois un artiste graphique et un peintre, comprenant parfaitement comment une ligne peut porter du poids et comment une couleur peut capturer la lumière. Son œuvre dérivait souvent vers l'abstraction, décelant dans le paysage des formes que d'autres auraient pu ignorer.

Sa présence dans le monde de l'art était marquée par une forme particulière de retenue. Il faisait partie des Haarlemse Vijftigers, un groupe comprenant des figures telles que Poppe Damave, Anton Heyboer et Frans Verpoorten. Ce lien l'inscrivait dans un mouvement néerlandais spécifique, tout en permettant à son travail de maintenir son propre rythme intime. Il a passé une grande partie de sa vie tardive en France, un déplacement qui reflétait la nature changeante de ses sujets, passant des solidités des Pays-Bas à la lumière du sud.

Technique et Forme

La manière dont Kees Okx abordait une surface raconte l'histoire de sa concentration. Il travaillait avec la précision exigée par une eau-forte et la fluidité nécessaire à une peinture à l'huile. Cette dualité se révèle dans sa maîtrise de différents médiums :

• Eau-forte et gravure : Il a produit des œuvres telles que Wind van Nergens, une eau-forte de 1970, ainsi que des gravures abstraites de 1963, souvent signées et numérotées comme une épreuve d’artiste.
• Peinture à l'huile : Ses toiles, comme Chanson du soleil, révèlent une autre facette de sa main, utilisant l'huile pour superposer les couches de couleur et de forme.
• Étude de paysage : Son abstract landschap de 1965 démontre sa capacité à dépouiller une vue pour n'en garder que les composantes géométriques essentielles.

Il émane une certaine densité de ses estampes. Une eau-forte est un acte physique, une morsure dans le métal, un processus lent qui exige de la patience. Il utilisait ce procédé pour créer des œuvres qui semblaient ancrées, même lorsque le sujet était purement abstrait. Ses paysages n'étaient pas de simples copies de la nature, mais des traductions de celle-ci, réduites au mouvement du vent ou au placement de la lumière.

Un héritage d'encre et d'huile

Ses expositions ont atteint des lieux prestigieux comme le Stedelijk Museum Amsterdam, intégrant ses observations silencieuses dans le grand dialogue de l'art néerlandais. Il ne recherchait pas le grand geste. Il misait plutôt sur la rencontre entre le trait d'encre et le papier, ou sur la façon dont l'huile se dépose sur la toile. Son œuvre subsiste dans des collections telles que le Museum van Bommel van Dam à Venlo, préservée comme le témoignage de sa vision singulière. Il s'est éteint à Gintrac, laissant derrière lui un corpus qui demeure une étude magistrale de l'équilibre entre la main et l'œil.