Maija Tabaka

L'Architettura della Memoria

Nata a Jelgava, in Lettonia, gli anni della giovinezza di Maija Tabaka furono plasmati dal trasferimento della sua famiglia a Riga nel secondo dopoguerra. Le sue mani impararono per la prima volta il peso di una matita durante i corsi di disegno presso il Palazzo dei Pionieri di Riga, sotto la guida di Auseklis Baušķenieks. Entro il 1957, era già immersa nel Dipartimento di Grafica dell'Accademia di Arte della Lettonia, per poi passare al Dipartimento di Pittura. Completò i suoi studi nel 1969, presentando un lavoro di diploma intitolato Ritratto di un gruppo di giovani artisti. La sua presenza nel mondo dell'arte professionale divenne costante a partire dal 1970, segnata dall'appartenenza all'Unione degli Artisti e da una serie di mostre che iniziarono a rivelare una logica singolare e privata.

La sua opera appare spesso come il frammento di un sogno colto in un fotogramma immobile. Non cerca di documentare il mondo così come appare all'occhio, ma piuttosto come si deposita nella mente attraverso la memoria e l'immaginazione. Vi è un senso di messa in scena nelle sue composizioni, dove figure e oggetti sono collocati con una precisione deliberata, quasi teatrale. Questo approccio ha portato alcuni a descrivere il suo lavoro come un teatro personale, uno spazio in cui il quotidiano viene spogliato per rivelare qualcosa di più vivido e strano. Tratta la tela come un palcoscenico per mise-en-scènes che sfidano la semplice narrazione, utilizzando il colore e la forma per costruire mondi che sembrano al contempo familiari e interamente inventati.

Gli anni di Berlino e il mutamento delle prospettive

Un cambiamento significativo avvenne tra il 1977 e il 1978, quando viaggiò a Berlino Ovest come borsista del DAAD. Questo periodo fu caratterizzato da un'unica intersezione tra tensione politica ed espansione creativa. Arrivata senza un visto d'ingresso, si ritrovò nel quartiere di Kreuzberg, lavorando in uno studio presso il Künstlerhaus Bethanien. L'atmosfera della città, con le sue texture specifiche e le sue diverse influenze, lasciò un segno profondo nella sua pratica artistica. Durante questo tempo, i suoi dipinti iniziarono a riflettere la tensione tra l'io e un ambiente urbano estraneo, utilizzando spesso le figure per navigare la sensazione di essere straniera in un nuovo paesaggio.

La sua produzione durante gli anni '70 rimane una parte centrale della sua storia, caratterizzata da diversi soggetti emblematici:

• Dschungel (1977), che cattura un'energia specifica e frenetica all'interno di un nightclub berlinese.
• Tina (1977), un'opera dedicata a coloro che la sostennero durante il suo soggiorno a Berlino.
• Matrimonio a Rundāle, un pezzo che attinge allo splendore barocco e a un senso di mistero storico.
• Vari studi floreali, tra cui opere che presentano rose rosse, tulipani, iris e ninfee.

Un linguaggio privato della forma

Le texture nei suoi dipinti — l'aspetto del marmo, dell'intonaco o del tessuto fluido — suggeriscono una preoccupazione per il modo in cui la luce e il materiale definiscono uno spazio. Ha spesso guardato all'estetica del cinema italiano per informare l'atmosfera del suo lavoro, cercando un senso di mistero che si posa sui suoi soggetti come un velo. Nei suoi dipinti, le persone appaiono spesso come figure di un'altra epoca, colte in un momento di silenziosa e drammatica interazione. Questo non è un modo per fuggire dalla realtà, ma un modo per trovare una verità più profonda all'interno dell'esperienza soggettiva del vivere.

Il suo riconoscimento si estende fino alla ricezione del Premio Purvītis per i meriti artistici alla carriera. Dai suoi primi studi a Riga alle sue mostre personali al Museo Nazionale d'Arte della Lettonia, la sua pratica è rimasta una necessità incessante e quotidiana. Continua a utilizzare la pittura come il suo strumento primario, costruendo un linguaggio visivo che rimane profondamente personale e intensamente concentrato sul paesaggio interiore dell'immaginazione.